EL “KANTOR” Y SU MUSICA. GRATA      CULMINACIÓN DEL FIN DE SEMANA

Teatro Empire, temporada 2026. Presentación del Ensamble Historicísta “Tempo Barroco”, Director y Violín Solista: Fabrizio Zanella. Solista Instrumental:  Juan Revello (Oboe Barroco). Programa: Obras de Johann Sebastian Bach. 06 de Setiembre de 2026.

NUESTRA OPINION: MUY BUENO.

En estos momentos de severas estrecheces económicas, es de aplaudir las iniciativas de músicos que a través de la autogestión aúnan esfuerzos, consiguen un espacio de importancia para poderse presentar al público, preparan un programa comprometido, emplean instrumentos fabricados con características historicistas para aproximarse en el momento de la interpretación a un sonido lo más fielmente posible a la época del compositor y con ello, lograr que un público entusiasta se de cita en uno de los espacios alternativos más importantes en lo que a música se refiere un Domingo a las cuatro de la tarde. Eso es lo que ha logrado Fabrizio Zanella junto su ensamble “Tempo Barroco” para esta muy reciente presentación, íntegramente dedicada a Johann Sebastian Bach y que el público se retirara sumamente satisfecho luego de todo lo escuchado.

El inicio vino de la mano del concierto para Oboe, Violín Solista, cuerdas y continuo con el número de catálogo BWV 1060 en el que lució Juan Revello en oboe barroco con un sonido muy puro y transparente, secundado de manera muy precisa por el propio maestro Zanella y una formación instrumental sumamente afiatada atenta a cada indicación del Maestro.

A posteriori se escuchó una magnífica versión del Concierto Brademburgués número tres, catálogo BWV 1048 en donde se apreció empaste, sonido homogéneo y una entrega enjundiosa de todos los instrumentistas intervinientes.

Sin solución de continuidad se ofreció el primero de los conciertos Brademburgueses, el que lleva número de catálogo BWV 1046 e indicado para tres oboes, dos trompas, fagot, violín píccolo, cuerdas y continuo. Me detengo en este punto para elogiar la extraordinaria interpretación dada la calidad profesional de cada uno de los instrumentistas convocados. Disfrutar al maestro Zanella empleando el violín piccolo, en mi caso pocas veces apreciado, de la precisa guía de Pablo Pereira supliendo al propio Zanella en esa función. Ver a Pablo Saraví en la hilera de violas tanto como a Benjamín Baez en el sector de Violonchelos o a Hugo Asrin en Violone, reiterar la muy buena impresión dejada por Juán Revello en la línea de Oboes y rescatar ampliamente la participación de los trompístas Rodrigo Novoa y Laureanne Gebel (en el caso de ésta última es francesa radicada actualmente en Bahía Blanca) en donde pese a todos los temas de afinación obtuvieron gratísimo sonido de sus respectivos instrumentos.

  Ya en el final y con la pertinente aclaración del Maestro Zanella en el sentido de que se trataba de una reelaboración del primer movimiento del tercer concierto Brademburgues se apreció una magnífica versión del la “Sinfonía” (Obertura) de la cantata número 174, verdadero “fin de Fiesta” para un apasionante recorrido que nos hizo dejar en la puerta de la sala todo recuerdo de lo difícil del mundo exterior.

Donato Decina

 UN CONCIERTO DE NOBLE FACTURA

Dirección Nacional de Elencos Estables, temporada 2026. Presentación de la Orquesta Sinfónica Nacional. Director y Concertino Invitado: Alejandro Carreño. Programa: Obras  de Tchaikovsky y Beethoven. Palacio Libertad, Sala Argentina, 04 de Setiembre de 2026.

NUESTRA OPINION: EXCELENTE

  Un concierto en donde la protagonista absoluta fue la Orquesta Sinfónica Nacional. Así puede resumirse lo que dejó esta velada enlal Sala Argentina. La presencia de Alejandro Carreño, surgido de las entrañas del “Sistema” venezolano y, además, integrante de la fila de primeros violines de la Filarmónica de Berlín, el que sistemáticamente visita Argentina cada vez que se logra acordar con El, enaltece con su presencia la programación y es sinónimo de excelencia musical.

   La propuesta fué pensada como un concierto desde el atril, en donde desde allí Carreño condujo a la Orquesta y cumplió la función de Concertino. El contenido del programa no escatimó en obras que importaron un severo compromiso.

  Se vió claramente que la labor desarrollada en la sala de ensayos favoreció rotundamente a la labor del conjunto, especialmente las secciones de cuerdas, dado que la primera parte fue exclusiva para ellas. Se apreció una formidable versión de la Serenata para Cuerdas Op. 48 de Tchaikovsky en donde un sonido corpóreo y sumamente homogéneo fue percibido a lo largo de la interpretación ofrecida. Con gestos precisos Carreño guió al conjunto. La solidez a lo largo de todo el movimiento de apertura, la percepción del noble vals que domina todo el segundo, el sentido “reflexivo” del tercero pleno de “canto” y el brillante final fueron expuestos en un nivel pocas veces escuchado en nuestro medio. Carreño maneja de modo extraordinario las pausas, silencios y tiempos interpretativos para hacer que el conjunto brille en todas sus secciones.  Contó además con la colaboración de los solistas y guías de cada instrumento en cada intervención para apuntar a sus compañeros.

  Si el público recibió sumamente complacido este trabajo, al que coronó con una sentida ovación, la segunda parte deparó otra grata sorpresa con una versión sin cortes de la 7° Sinfonía, Op. 92 de Beethoven.

  Desde la introducción pudo percibirse que se escucharía otro gran trabajo. Aquí también vale detenerse en la muy buena labor de los instrumentos de viento, quienes expresaron al tema principal del primer movimiento con absoluta nitidez y transparencia. Ya en el segundo la fuerza con la que irrumpieron las cuerdas graves anticipaban el vuelo que este movimiento tomaría. El tercer movimiento con la imponencia de la música, esa que expresa una total libertad creativa, mostró al conjunto en toda su dimensión. La música fluyó al máximo. El cierre fue sencillamente brillante y aquí vale la pena señalar que los bronces y el timbal fueron un estupendo apoyo del resto de sus compañeros.

  Así homogéneo, amalgamado, fue el sonido percibido. Muy saludable también fue el hecho de que el Maestro Carreño realizó esta versión con una sola pausa entre los movimientos segundo y tercero. Aquí el público pudo concentrarse a pleno en la audición. Nuevamente la ovación que se desató al final, con cuatro llamadas al Maestro para saludar, dan cuenta del extraordinario nivel en que se sostuvo la velada.

  Saludamos la presencia de Alejandro Carreño y deseamos que su presencia se repita. En cambio lamentamos que dado el acuerdo Teatro Colón - Palacio Libertad, este concierto se desarrolló en la Sala Argentina de menores dimensiones y con público que quedó afuera (los  últimos espectadores ingresaron en plena interpretación de la Serenata de Tchaikovsky). Deseo que esta  circunstancia no vuelva a repetirse a futuro.

Donato Decina

 

El Trío Seibert-Herrera-Campos agradeciendo los aplausos del público tras su presentación en la Usina del Arte. Toma efectuada por Eduardo Balestena.

Concierto de cámara en la Usina del Arte

.Trío de violín, violoncello y piano

.Haydée Seibert Francia, violín

.Agustina Herrera, piano

.Esdras Campos, violoncello

.Usina del Arte, Ciclo de Conciertos de Cámara, 30 de agosto, hora

11,30.

Dos tríos para violín, piano y cello integraron el programa del ciclo de

conciertos de cámara de la Usina del Arte.

El Trío con piano en sol menor, opus 17 (1846) de Clara Wieck

Schumann (1819-1896) fue la primera de las obras interpretadas.

Escrito en cuatro movimientos: I. Allegro moderato, II, Scherzo- Trío, III,

Andante, IV Allegretto. Es un opus delicado y de singular belleza, que responde

más a los lineamientos del clasicismo que del romanticismo. El diálogo entre

los tres instrumentos –dentro de un esquema de estabilidad tonal- es

permanente, cada timbre integra un todo; no hay en esta obra fáciles efectos

sino líneas melódicas y de soporte armónico muy claras y musicalmente ricas.

El andante inicial, en 4/4 responde a la forma sonata. El Scherzo, Tempo de

minueto, como indica la partitura, en compás ¾; en el tradicional esquema

ABA, el tema inicial se repite para dar lugar a un calmo trío central, donde se

produce una modulación de si bemol mayor a mi bemol mayor, para volver a la

sección A.

Es bellísimo el tema inicial del Andante, en los ocho primeros compases

del piano, en sol mayor –pese a la tonalidad mayor es una música nostálgica,

al menos en su inicio- en compás de 6/8. Es realmente un movimiento muy

bello, con muchas indicaciones de cambios de dinámica. El Allegretto final es

en compás binario y retoma la tonalidad mayor.

En suma, se trata de una obra de gran belleza, que renuncia al

virtuosismo en favor de la música pura y reviste un gran interés musical, con

suaves inflexiones en los instrumentos, sutiles cambios de matices y gran

musicalidad.

El Trío con piano en fa mayor, opus 80 (1847) de Robert Schumann

(1810-1856) fue la segunda de las obras interpretadas.

El primer movimiento Sehr Lebhat (muy vivo) además de sus

particularidades armónicas, al alternar con el re mayor, es enérgico y si bien en

la primera parte la melodía es llevada por el violín y el cello en paralelo, hay

pasajes en que el piano acompaña intensamente los acentos de las línea

melódicas de los otros instrumentos y tales acentos se hacen masivos. Se trata

de un movimiento muy cambiante.

El segundo movimiento, Mit innigem Ausdruck (con expresión íntima-

Animado) 4/4 en re bemol mayor; los tresillos del piano contrastan con la línea

melódica del violín y del cello al comienzo; luego el piano tiene un pasaje

central con una breve y atrayente melodía.

In mässiger Bebegung (en movimiento moderado), en si bemol mayor y

compás de 3/8 es el breve tercer movimiento; el violín lleva casi siempre una

línea melódica que funciona como un canon, con el apoyo del cello para darle

mayor entidad, y las figuraciones del piano en el marco de una estabilidad

armónica y rítmica.

El Nich zu rasch (no demasiado rápido) en compás alla breve. Al

tiempo que retoma la tonalidad inicial hay también la misma coincidencia en la

acentuación que en el primer movimiento. Se trata de un movimiento rápido (

blancas:150 ) y enérgico. También se repite la idea canónica entre piano y cello

del movimiento anterior, como si se tratase de una recopilación de las ideas

anteriores.

Haydée Seibert Francia es una muy reconocida intérprete (sería por

demás extenso nombrar los hitos de su carrera), que ha formado parte de

distintos organismos musicales en Argentina, Estados Unidos y Europa, a lo

largo de décadas, haciendo giras por Estados Unidos, Europa y la Unión

Soviética; fue concertino del Ensamble Musical Buenos Aires y de la Orquesta

Filarmónica de Buenos Aires.

Agustina Herrera es diplomada como solista en la Hochschule für Musik

Freiburg, Alemania y es una reconocida intérprete de música de cámara y

difusora de la música argentina académica. Tiene en su haber numerosos

trabajos discográficos con diferentes organismos y una muy extensa

trayectoria.

Esdras Campos es solista principal de violoncello de la Orquesta

Sinfónica Nacional y, entre otros logros de su carrera, fue becado por el

Scheswig-Holstein Musik Festival (2011-2012 y obtuvo el Premio Nicolás Finoli

en el IV Festival Latinoamericano de Violoncello (2012)

El concierto estuvo precedido de una referencia a las obras y a los

solistas.

Intérpretes de gran valía musical nos depararon obras de gran interés

estético y formal en un ámbito ideal como lo es la Usina del Arte.

Eduardo Balestena

 PROGRAMA CON EQUILIBRIO ENTRE LO CONOCIDO Y LO INFRECUENTE

Centro Cultural Domingo Faustino Sarmiento, Temporada 2026. Concierto a cargo de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Libertador General San Martín. Director: Pablo Boggiano. Solista: Ayako Tanaka (Soprano). Participación del Coro Nacional de Música Argentina, Preparador: Emiliano Linares. Programa: Obras de Debussy, Alyabyev, Thomas, Dukas, Offembach y Benzecry. Palacio Libertad, Auditorio Nacional, 30 de Agosto de 2026.

NUESTRA OPINION: MUY BUENO

  Una nueva presentación de la Sinfónica Nacional Juvenil Libertador General San Martín, y con ella el retorno de dos extraordinarios profesionales a los que ya se deben considerar como amigos dilectos del conjunto: la apreciada soprano japonesa Ayako Tanaka (Gestora de la gira de la orquesta a Japón en 2024) y el Mtro. Pablo Boggiano quien fue Director Asistente de la Orquesta, jamás perdió contacto alguno con el conjunto y junto a su Maestro y creador del mismo, Mario Benzecry, lo llevaron a dicha gira a la nación nipona.

  El programa abordado transitó de manera muy equilibrada entre obras muy conocidas matizadas con otras de infrecuente programación, fundamentalmente en lo que respecta a la intervención voz-orquesta, lo que ha sido sumamente bienvenido y en los resultados altamente satisfactorio con la amplia adhesión del público presente.

  

  El inicio vino de la mano de una muy buena versión de “Preludio a la Siesta de un Fauno” de Claude Debussy con una estupenda intervención de la flauta solista, y un notorio acompañamiento de los demás atriles principales de las secciones de vientos. A ellos se acoplaron de manera perfecta las secciones de cuerdas del conjunto. El Maestro Boggiano condujo la versión con absoluta pericia, tempi sumamente ajustado y pasajes de gran vuelo.

  Como se señaló líneas más arriba, con el concurso de la Soprano Ayako Tanaka se abordaron fragmentos líricos algunos de los cuales merecerían integrar un recital pleno. Dicho sea de paso, esta gran cantante merecería brindar entre nosotros un recital completo con orquesta, habida cuenta de la capacidad que ya ha mostrado en reiteradas ocasiones. En esta oportunidad descolló por técnica, manejo de su voz y exquisito decir en “El Ruiseñor” de Alexander Alyabyev (Obra más conocida de este compositor ruso, quien es autor entre otras cosas de 200 canciones, 6 óperas y 20 comedias musicales), “Je Suis Titania” de Mignon de Thomas y la célebre “Canción de Olympia” de “Los Cuentos de Hoffmann” de Offenbach, en la que la intérprete modificó levemente su atuendo para caracterizar a la muñeca. No podía faltar el episodio de la cuerda mecánica, en el que de manera simpática el Mtro. Boggiano resultó cómplice haciendo ruido con una matraca simulando el “darle cuerda”. Largamente ovacionada, Tanaka agradeció efusivamente al público. 

  Entre Thomas y Offenbach se intercaló la fanfarria de “La Peri” de Paul Dukas en donde se lucieron los bronces participantes de la San Martín. Sin excesos, llevados con pericia por Boggiano, este fragmento fue objeto de una lucida versión. Reitero que fue un total acierto esta parte del concierto que albergó momentos que rara vez se aprecian en los auditorios y teatros.

  En el comienzo de la segunda parte y con el concurso del Coro Nacional de Música Argentina preparado por el Mtro. Emiliano Linares, tuvo lugar el estreno Sudamericano de “De otros Cielos, Otros Mares” de Esteban Benzecry, quién hoy por hoy es uno de los máximos exponentes en el mundo de la música argentina. Estrenada en 2011, esta obra para coro y orquesta es presentada como un mosaico poético musical, Está integrado por cinco números: “En este suelo habitan las estrellas” del poeta chileno de origen mapuche Elicura Chiuhuailaf, “Ecos del Sur”, vocalización sin texto basada en el cuento “El Sur” de Jorge Luís Borges (de quién se han cumplido cuarenta años de su deceso), “Oración de Manco Capac al Señor de Cielo y Tierra” traducido del Quechua por Cristobal de Molina en 1575, “Invocación al Dios de las Aguas” del Venezolano Andrés Eloy Blanco y “América, no invoco tu nombre en vano” del premio nobel Pablo Neruda. Una vez más Benzecry irrumpe con fuerza expresiva, haciendo gala de una orquestación rica en matices, enfatizando los textos con detalles musicales que logran mantener al público en plena atención y empleando una gran serie de instrumentos de percusión para motivos folckloricos latinoamericanos. La parte vocal requiere un conjunto amplio, capaz de coexistir con las fuerzas orquestales en un contexto complejo. La labor del Maestro Linares al frente del Coro Nacional de Música Argentina resultó encomiable dada la entrega que sus integrantes brindaron en todo momento.  Boggiano resaltó toda la mencionada fuerza expresiva de la partitura, contagiando a los jóvenes músicos que respondieron de manera harto satisfactoria, por lo que el público acogió de manera triunfal a este logrado trabajo de Esteban Benzecry.

  

  Ya en el cierre se pudo apreciar una muy buena versión de “El Mar” de Claude Debussy en donde los jóvenes respondieron atentamente a las indicaciones del Director. A una muy buena introducción (“Del amanecer al Mediodía sobre el mar”), le siguió una chispeante lectura de “Juegos de Olas” y, finalmente, una colorida entrega en “Diálogo entre el viento y el mar” en la que pudieron resaltar todo el brillo y la energía que la página contiene. 

Donato Decina

 

Las Cuerdas de la Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional "Libertador General San Martín" en plena faena captadas en esta imagen por el Autor del presente comentario.

Concierto de la Orquesta Juvenil Nacional Libertador General San

Martín

.Orquesta Juvenil Nacional Libertador General San Martín

.Director: maestro Pablo Boggiano

.Solista: Ayako Tanaka, soprano

.Coro Nacional de Música Argentina

.Director: Maestro Emiliano Linares

.Palacio Libertad, Auditorio Nacional, 30 de agosto, hora 19.

Bajo la dirección del maestro Pablo Boggiano La Orquesta Juvenil

Nacional General San Martín llevó a cabo un extenso y demandante programa

en el Auditorio Nacional.

La primera obra de la presentación fue el poema sinfónico Preludio a la

Siesta de un Fauno, de Claude Debussy (1860-1918), obra de gran

refinamiento tímbrico y armónico; se la toma como el equivalente francés de

Preludio de Tristán e Isolda por la influencia del Acorde de Tristán en la

concepción estilística de Debussy. Su carácter de obra revolucionaria es un

indicador, por sí mismo, de las dificultades de la interpretación, que residen

además de la pureza, inflexiones y evanescencia de los timbres, en la

continuidad de un fraseo que en algunos lugares tiene una resolución definida y

que en otros en la falta de tal resolución. La coda final, una cadencia conclusiva

en mi mayor, es un ejemplo de las referidas demandas.

La soprano Ayako Tanaka abordó, de Aleksandr Alyabyev (1787-1851)

Le Rossignol; y de Ambroise Thomas (1811-1896) Je suis Titania.

A renglón seguido, miembros de los bronces de la orquesta ofrecieron la

Fanfarria de La Peri, de Paul Dukas (1865-1935)

La primera parte concluyó con Les Oiseaux dans la charmille, de Los

Cuentos de Hoffman, de Jaques Offenbach (1819-1880) por Ayako Tanaka,

la famosa aria en la que la muñeca Olympia se detiene cuando se le acaba la

cuerda, para soprano de coloratura. En este sentido, la solista tuvo una

performance actoral muy lograda, así como los bellos pasajes de la pieza, con

una voz sutil, elegante y de excelencia tímbrica.

La segunda parte fue iniciada con De otros cielos, otros mares, para

orquesta y coro, de Esteban Benzecry (1970)

Concebida para un gran orgánico orquestal, discurre en una sucesión de

atmósferas sonoras con intensidades variables tanto en el coro como en las

secciones instrumentales, en algo que parece una eterna pregunta sin

respuesta, sin un desarrollo melódico, en lo que aparece como un

distanciamiento del lenguaje tonal en favor de la exploración de otras

posibilidades sonoras. Conviven así, en las diferentes secciones, elementos

con una existencia virtualmente autónoma.

No hay referencias melódicas que sirvan para armar el conjunto, no hay

motivos ni temas a seguir, sino diferentes climas, lo cual es indicativo de las

dificultades para la interpretación.

El coro, con pasajes extensos, evanescentes por momentos y marcados

por otros momentos, forma parte de un todo orquestal.

Es difícil en una simple audición encontrar referencias en cuanto a

rítmica y a las escalas o modos de los cuales se vale. Si podemos decir que los

climas que crea son cambiantes, siempre misteriosos y que hay un muy eficaz

manejo de la orquesta.

El Mar, tres bocetos sinfónicos para orquesta, de Claude Debussy

cerró el extenso programa. Los movimientos, que el autor llama bocetos, son

claramente descriptivos, desde: Desde el amanecer hasta el mediodía en el

mar; Juegos de olas y Diálogo del viento y el mar.

Más que en un desarrollo melódico extenso, los motivos se suceden

como frases que discurren en el tejido orquestal llevando a cautivantes

atmósferas sonoras. Demanda una enorme precisión en el fraseo, el pasaje de

elementos de la frase de un instrumento a otro y la unidad del clima del cual

cada instrumento forma parte.

El grado de dificultad y complejidad de cada obra fue muy diferente en

una orquesta que sonó en todo momento como una totalidad. Asimismo, la

obra de Benzecry fue de grandes demandas para el coro.

El resultado habla del nivel y de la preparación de la orquesta para tan

particular programa así como del trabajo de preparación y dirección del

maestro Boggiano, con obras que requieren, cada una, un armado muy

específico.

Eduardo Balestena

  

 

Esta magnífica toma de Eduardo Balestena muestra en acción a la dupla protagónica:  Aristo Sham-Srba Dinic

Concierto de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires

.Orquesta Filarmónica de Buenos Aires

.Director: maestro: Srbaa Dinic

.Solista: Aristo Sham, piano

.Teatro Colón, Buenos Aires, 29 de agosto, hora 20.

Bajo la el título Dos miradas de Rusia la Orquesta Filarmónica de

Buenos se presentó en el Teatro Colón, dirigida por el maestro serbio Srba

Dinic.

La Sinfonía nro. 15, en la mayor, opus 141 de Dmitri Shostakovich

(1906-1975) fue interpretada en la primera parte del programa.

Obra enigmática y musicalmente compleja en su formulación musical, el

primer movimiento, Allegreto, comienza con un solo de piccolo a partir del cual

comienza un desarrollo temático de elementos incisivos, diferentes entre sí, en

las distintas secciones, en esa atmósfera circense tan propia del autor. La

intervención de las distintas secciones construye un volumen sonoro

sumamente expansivo, en el cual la cita de Guillermo Tell, de Rossini, en

distintos registros aparece como un material recurrente y a la vez contrastante,

como el motivo inicial.

El Adagio – Largo – Adagio – largo respeta el esquema tonal habitual,

ya que está en modo menor, comienza con un solo de cello y sigue como un

coral en los metales. El pasaje de las cuerdas apenas comienza la segunda

intervención del cello recuerda al adagio de la quinta sinfonía del autor. Es una

de las pocas concesiones a la belleza melódica –seca y con acordes

disonantes- que hay. Es de una belleza despojada y engmática, que sugiere

una marcha fúnebre. La pregunta que nos formulamos es la misma que con la

Eroica, ¿A quién está destinada la marcha fúnebre? ¿Quién es el héroe?

Podemos pensar que está dedicaba a la vida y a la sinfonía como género

musical. El movimiento es rico la alternancia tímbrica y dinámica –del piano al

forte en un mosaico de timbres-.

El cuarto movimiento, Adagio-Allegretto-Adagio-Allegretto en la mayor

comienza con una cita de Amanecer y Viaje de Sigfrido por el Rhin, de Wagner

a la que sucederán otra, una de ellas será el comienzo del preludio de Tristán e

Isolda, con lo que ello musicalmente implica: pasar de un lenguaje cromático a

un esquema tonal diferente y también a un esquema rítmico ternario y a otra

índole de fraseo. La sensación es que al mismo tiempo que son evocadas

diferentes obras y sus significados, no hay un camino claro a seguir: o se trata

de una exploración (¿a dónde lleva esta idea?) o del ocaso de la forma

sinfónica. Sea como fuere, se trata de una obra de grandes demandas,

compleja rítmica, dinámicamente y en sus muy diversos registros.

En la segunda parte, fue interpretado el Concierto nro. 3, para piano y

orquesta en re menor, opus 30, de Sergei Rachmaninov (1873-1943)

actuando como solista Aristo Sham.

En comentarios anteriores de esta obra comencé señalando que “Se

trata una de las obras más extensas, virtuosas y técnicamente difíciles para

piano y orquesta”. Solamente puede ser interpretado por un gran pianista, dada

la complejidad de la obra, no solamente en sus aspectos dinámicos, en los

breves fragmentos melódicos, que surgen a partir del sencillo material del

comienzo y el diálogo con la orquesta.

Además de esas señas de identidad es necesario subrayar su

permanente transformación motívica, con modulaciones que nos permiten

asistir a un material que se expande permanentemente y que siempre nos

parece distinto. La variación es un aspecto esencial: elementos tomados de

diferentes partes del motivo inicial son expandidos convirtiéndose a su vez en

otros. No resulta sencillo reconocer las distintas partes de la forma sonata

ampliada del primer movimiento, por ejemplo, debido al permanente cambio.

El tema del intermezzo-adagio, es un desprendimiento del motivo inicial

y en a presentación del segundo tema se produce un cambio a la tónica. El

tema con variaciones concebido en una forma ABACA y no es para nada un

movimiento lento. Rachmaninov utiliza aquí técnicas que llevaría a la Rapsodia

sobre un tema de Paganini (1934): el tema expuesto en forma más rápida y

compacta, con el agregado de notas; el desarrollo de episodios tomando un

intervalo de una parte; la aparición de notas que subrayan partes del tema y

omiten otras y el enriquecimiento por la orquesta, que lo toma y expande,

también de diversas maneras, todo ello a lo largo de un extenso y cambiante

desarrollo que conduce y se resuelve, casi sin solución de continuidad.

En el Finale: alla breve, de gran fuerza, es una forma sonata modificada

que recapitula sobre el tema del primer movimiento y utiliza, para marcar sus

distintas secciones, un estribillo que aparece dos veces, una luego de la

introducción y la segunda previa al final, contrasta con el resto del material y es

a la vez una suerte de pausa con un llamado de atención a lo que vendrá, que

es un desarrollo ulterior sobre el primer tema. El concierto es rapsódico, libre

en su forma y a la vez riguroso en el tratamiento del material.

Aristo Sham es un pianista ampliamente galardonado y de mucha

experiencia con distintos organismos orquestales. Ha estudiado en Harvard su

maestría en el Conservatorio de New England; en su repertorio se encuentra el

registro completo de las

Esta magnífica captura de Juanjo Bruzza para Prensa del Teatro Colón nos muestra en la primera velada de concierto el apreciado mutuo saludo entre Aristo Sham y Srba Dinic ante la satisfactoria mirada de los integrantes de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. Corolario de un gran concierto el que se igual forma se repitió a la mañana siguiente.

VALE LA PENA MADRUGAR ASI

Teatro Colón, temporada 2026.Repetición del décimo concierto de abono a cargo de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, Director: Srba Dinic. Solista: Aristo Sham (Piano). Programa: Obras de Shostakovich y Rachmaninoff. 30 de Agosto de 2026.

NUESTRA OPINION: EXCELENTE

  El Teatro Colón, su Dirección Musical y la Conducción de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires tomaron la muy saludable decisión de repetir en día Domingo por la mañana la programación que integró el décimo concierto de abono de la temporada del conjunto con la conducción del probadísimo maestro serbio Srba Dinic y la participación como solista del pianista Aristo Sham, medalla de oro y premio del público del concurso Van Cliburn 2025. En los grandes momentos en la historia del conjunto, el que como se sabe celebra su octogésimo aniversario en la presente temporada, ha repetido sus conciertos importantes como una manera de facilitarle a su público la concurrencia a los mismos y en muchas de esas ocasiones a precios populares. En el primer concierto de este año, lo hizo en Domingo por la tarde y en otras, como en la presente oportunidad, Domingo a la mañana. Nombrar en especial un programa me remonta a 1983 cuando en la integral de sinfonías de Tchaikovsky con el inmenso Yuri Simonov se ofrecieron las sinfonías n°s. 3 y 4 en repetición matinal, en la que el público estalló de manera tal que se percibió lo que en nuestro programa de Streaming llamamos “El rugido del Colón”.

  Este concierto, al que en el ciclo de abono se lo denominó “Dos Miradas de Rusia”, se inició con la interpretación de la Sinfonía N° 15 de Dimitri Shostakovich. Obra estrenada en 1969, no solo representa la última de las sinfonías compuesta por el insigne maestro ruso, sino que conlleva una verdadera “despedida” del género en la forma en que habitualmente se lo conoce con una estructura de cuatro movimientos. 

  De alguna manera Shostakovich se las ingenió para mandar mensajes encubiertos en una época en que la guerra fría y el frente interno, por entonces soviético, se hallaban bajo la férrea conducción de Leonid Brezhnev, por ese entonces solamente secretario general del Partido Comunísta, al que le adosaría el “Presidium” hace cincuenta años atrás en 1976. Citas a “Guglielmo Tell” (última ópera de Rossini), a los “leitmotiv” de la tetralogía Wagneriana, en especial, “El Ocaso de los Dioses”, como también al famoso comienzo de “Tristan und Isolde” del propio Wagner y autocitas a momentos esenciales de sus sinfonías y obras de cámara, dan por resultado un trabajo sumamente complejo del que verdaderamente se necesita una precisión “de relojería” para una verdadera interpretación. El final también marca la repetición de los últimos compases hasta la extinción como en la reprobada (por los comisarios culturales) Sinfonía N° 4. En dicha partitura Shostakovich deja entrever en el final que es consciente de haber transgredido y cruzado el límite que la censura de la época fijaba y de ahí la sensación de incertidumbre en que la página se cierra. Aquí esa extinción es, en cambio, un “hasta aquí llegué” y que sus seguidores estén atentos a esos últimos compases.

  Dinic demostró comprender por completo el sentido de la obra. Su concertación fué magistral, obteniendo de la Filarmónica una respuesta memorable. Ajustada en todos sus sectores, con intervenciones rutilantes de los solistas que tuvieron participación en la obra y con un sonido corpóreo que fue brillante en los “tutti”, la Orquesta sonó a la altura de las mejores agrupaciones internacionales, demostrando todo lo que puede ser.

  Y para redondear una mañana de verdadero “paladar negro”, con el concurso del pianista chino Aristo Sham, se asistió a una extraordinaria versión del Concierto para Piano y Orquesta N° 3 de Serguei Rachmaninoff, pieza de una inusitada belleza en la que el compositor plasma en el pentagrama sus diferentes estados de ánimo transitando de la sombra a la luz.

  Si a Orquesta y Director les reconocemos (luego de la impresionante versión Nelson Göerner en el Teatro Coliseo) el total dominio de la obra y saber acompañar al solista “arropándolo”, aquí también lo logró, sabiéndolo esperar ya que Sham es portador de un enérgico estilo con muy buena personalidad y un  manejo tanto del “tempi” como del silencio verdaderamente magistral. Por la intensidad, la entrega de todos y un final sencillamente electrizante, es que la versión ha sido de excelencia. No extrañó entonces que el Colón “rugiera” una vez más.

  Luego de un momento tan intenso, Sham le regaló al público una “perla” más . Una transcripción de Bach hecha por Rachmaninoff que en sus manos sonó como un delicado presente.

  La culminación del concierto marcó la despedida como solista titular de flauta de Claudio Barile, para quién solo tengo palabras de agradecimiento por tanta música de la buena que ha hecho brotar de su instrumento. Toda la suerte para este gran músico para lo que nos ofrezca de acá en adelante.

Donato Decina

Inicio de "Beyond" con Jakub Jozef Orlinski e "Il Pomo d'Oro" en el escenario del Colón tal como lo revela esta imagen de la Sra. Liliana Morsia que nos comparte Prensa del Mozarteum Argentino.

MUSICA E HISTORIAS VIGENTES CON EL PASO DEL TIEMPO.

Mozarteum Argentino, temporada 2026. Presentación del Contratenor Jakub Jozef Orlinski junto a la Orquesta “Il Pomo d’Oro”. “Beyond” (Más Allá…), espectáculo de autoría del Cantante con curaduría de Yannis Francois y operación de luces de Aifric Dennison. Se escucharon fragmentos de obras de: Monteverdi, Marini, Caccini, Frescobaldi, Kerll, Strozzi, Cavalli, Pallavicino, Netti, Sartorio, Jarzebski y Moratelli.Teatro Colón, 24 de Agosto de 2026.

NUESTRA OPINIÓN: EXCELENTE

  Recuerdo que hace varias temporadas atrás, la soprano Karitta Mattila formuló para su última presentación en nuestro medio un recital en el cuál sorprendió con dramatizaciones de los temas que iba interpretando, es decir, canciones actuadas de acuerdo a cada texto de las mismas. La opinión del público asistente fue muy dividida entre quienes se sintieron conformes con ello y los que eran partidarios de lo clásico, es decir que se plantara junto al piano al centro del escenario y que su voz debería haber sido la que a través de sus inflexiones expresara el sentido de cada texto. Más recientemente, la Mezzosoprano Joyce Di Donato, también en su última visita a Buenos Aires junto a “Il Pomo d’Oro”, estructuró un espectáculo basado en música, actuación y manejo visual a través de la iluminación, el que se interpretó de manera íntegra en un solo bloque.  Puedo decir entonces que sin darnos cuenta, a partir de estas dos experiencias previas, está comenzando a verificarse una tendencia que cambia el concepto y el formato del recital tal como lo conocemos y es, a partir de un determinado repertorio, narrar historias dentro de un período de tiempo. Di Donato lo hizo con foco en el mundo y la naturaleza. Ahora Jakub Jozef Orlinski junto a la misma Orquesta “Il Pomo d’Oro” ha estructurado un programa denominado “Beyond” (Más Allá) tomando como base el origen del género operístico y la música vigente en el 1600. La idea es unir a través de los fragmentos seleccionados historias de amores, desengaños, ya sean de jóvenes, maduros o ancianos con pasajes instrumentales para el descanso de la voz del intérprete. El resultado fue un espectáculo muy potente dada la reconocida calidad del conjunto visitante (nominado por votación de colegas europeos como una de las cinco mejores orquestas de la temporada 2025 para los galardones que otorga la Revista Gramophone del Reino Unido. Se define por el voto de los suscriptores de la revista el mes próximo) y la inmensa versatilidad artística de Orlinski quien no solo canta y actúa, sino que se revela como un artista integral que baila y hasta cultiva las artes circenses aplicando todo ello en pos del espectáculo, ayudado además por un magnífico trabajo lumínico de Aifric Dennison que resaltó absolutamente todos los detalles más importantes y por la guía de la Concertino Alfia Bakieva y en especial de Miguel Rincón en Tiorba y Guitarra Antigua, quien interpretando este último instrumento jugó con Orlinski un paso de comedia. Si bien se solicitó no aplaudir hasta el final, el “gag” recién referido logró hacer sonreír al público de tal manera que los mismos intérpretes incitaron al mismo al espontáneo aplauso.Otro tanto ocurrió cuando invitó al público a que lo acompañe en coloraturas hasta el momento de las notas más agudas, con lo cual logró arrancarle carcajadas al darse cuenta el soberano que era imposible seguir acompañándolo.

   En cuanto a la música en sí, se tuvo la oportunidad de escuchar fragmentos de músicos de esa época (Monteverdi, Caccini, Frescobaldi y Cavalli), junto a otros de igual período de quienes no siempre pueden escucharse al menos fragmentos de sus obras, por lo que para el público bien pudo tratarse de primeras audiciones que  pudieron obrar como “descubrimiento” (Marini, Kerll, Barbara Strozzi, única mujer del programa, compositora en época infrecuente. Netti, Sartorio, Jarzebski y Moratelli).

  La sumatoria de todo lo expuesto da por resultado un espectáculo de notable factura, dada la entrega total de Orlisnki y la incuestionable calidad de “Il Pomo d’Oro”, con un ensamblado de perfección absoluta y un manejo del “tempi” que lo hizo fresco, vital y vigente, demostrando que pueden pasar los años pero que con semejante perfección interpretativa, música y textos resisten perfectamente el paso del tiempo y aún asombran a propios y a extraños.

El fervor desatado por el público asistente, motivó que Orlisnki y los músicos se prodigaran en retribuciones que probablemente, dado lo poco frecuentado de  este repertorio, se hayan tratado de primeras audiciones. Se escucharon fragmentos de: “Eliogabalo” de Boretti, “Nerone” de Orlandini, algo más de Sartorio y su ópera “Antonino e Pompelano” y entre ellos, la más conocida: “La Calisto” de Cavalli.

    Solo resta pedir un pronto retorno y, porque no, que Mozarteum y Colón se unan para una ópera completa con tan exquisitos intérpretes.

Donato Decina

MUSICALMENTE BUENA, VISUALMENTE CON ALTIBAJOS

Teatro Colón, temporada 2026. Opera: “Otello”, en cuatro actos con libreto de Arrigo Boito y música de Giuseppe Verdi, basado en “La Tragedia de Otelo el Moro de Venecia” de William Shakespeare.

Intérpretes: José Azocar (Otello), María Belén Rivarola (Desdemona), Fabián Veloz (Iago), Alejandra Malvino (Emilia), Darío Leoncini (Cassio), Iván Maier (Roderigo), Christian Peregrino (Lodovico), Sebastián Barboza (Montano), Gabriel Vacas (Heraldo). Orquesta Estable del Teatro Colón, Coro Estable del Teatro Colón, Director: Miguel Martínez, Coro de Niños del Teatro Colón: Directora: Mariana Rewerski. Escenografía: Nicolás Boni, Video: Nicolás Boni/Matías Otalora, Vestuario: Tomasso Lagrattola, Iluminación: José Luís Fiorruccio, Coreografía: Vagram Ambartsoumian, Dirección Musical: Alejo Pérez, Dirección Escénica: Fabio Sparvoli. Función del 22 de Agosto de 2026.

NUESTRA OPINION: MUY BUENO

  La temporada de la sala de la calle Libertad continuó con una nueva presentación escénica de “Otello”, el gran drama Shakesperiano al que merced al libreto formulado por Arrigo Boito, Giuseppe Verdi (por entonces de 74 años) le puso música. Cuando la mayoría dio por retirado al genio de Busetto (“Don Carlo”, “Aida” y el “Requiem” ya habían visto la luz y se decía que hasta ahí llegaba), Verdi sorprende al mundo con la concreción de una obra “cerrada”, sin margen al aplauso entre momentos y con una música formidable en la que la energía y el poderío sonoro demostraron que aún a los 74 años de esa época era capaz de ofrecer mucho más. Transcurrieron trece años de la última presentación tras la lograda puesta de José Cura (quién además asumió el protagónico) y ahora el Colón convoca a Fabio Sparvoli de importante trayectoria en salas de primera línea (fundamentalmente europeas) para esta nueva versión.

  La historia de amores, traiciones y celos subió a escena con un marco escénico estupendo en donde Nicolás Boni realzó la imponencia del palacio chipriota, sede de la Gobernación Veneciana, con sus salones y alcobas, a los que se anexó fondos de video de imágenes marinas para las que contó con la colaboración de Matías Otálora y junto a ellos en una muy buena labor de equipo, se sumó la muy buena iluminación del siempre eficiente José Luís Fiorruccio, adecuada a cada momento de la escena y del transcurso del día

  En cuanto al vestuario diseñado por Tomasso Lagrattola, fue mayoritariamente de época, llamando la atención la caracterización de Otello con abrigo de cuero al igual que en el caso de Iago, solo que al primero en los dos últimos actos se lo vio con vestimenta acorde a la época.

  Los movimientos de los personajes fueron, por momentos, controvertidos. Resultaron llamativos que durante el segundo y tercer actos se encontraran virtualmente a la vista Iago, Cassio y Otello cuando se supone que o el segundo o el tercero, según la escena, deben permanecer ocultos escuchando las supuestas revelaciones que alguno de los dos le hacen a Iago dentro del perverso juego que éste monta. También resultó llamativa la bofetada que Desdemona le propina a Otello durante la discusión en que el Moro la humilla llamándola “cortesana”, algo imposible de imaginar en la época de la trama. En la función que comento, si bien la caracterización del protagonista estuvo prácticamente lograda, el ”moro” era apenas un “moreno”. Como puede apreciarse no son solo detalles, son cosas que no pasan desapercibidas en relación con el texto y la acción. Otro tanto cabe señalar para las coreografías del primer acto en donde no se entiende la presencia de dos malabaristas haciendo juegos “de fuego” (se entiende que las llamas son ficticias) luciendo vestuario de danza árabe. En cambio, los bailarines con coreografía de Vagram Ambartsoumian se desplazaron con solvencia.  No puedo pasar por alto la controvertida decisión de que los coros Estable y de Niños y sus respectivos directores no salieran a saludar tras la culminación de sus respectivas participaciones. Es una ofensa verdaderamente gratuíta, luego de que ambos cuerpos demostraran una vez más su valía y calidad.

    En la faz musical, la concertación de Alejo Perez fue mayoritariamente correcta con una Orquesta Estable que va respondiendo cada vez mejor a los requerimientos de su nuevo titular. Se escuchó un sonido más robusto, fundamentalmente en escenas

como la tormenta del comienzo, en el “Credo” de Iago y en la imploración de Desdemona durante el imponente conjunto del tercer acto. Sin embargo, llamó la atención el “tempi” un tanto veloz para el “Ave María” y la “Canción del Sauce” cuando en realidad debe exponer en música una dramática reflexión de la esposa que se sabe perfectamente sentenciada.

  Finalmente ingresamos en el terreno canoro señalando que tanto Sebastián Barboza (Montano) como Gabriel Vacas (Heraldo) cumplieron correctamente en sus breves participaciones. Christian Peregrino impuso autoridad vocal y escénica para el rol de Lodovico. A Iván Maier (Roderigo) se lo escuchó muy cómodo y con un registro que ha evolucionado muy favorablemente en cuanto a caudal se refiere. También fue muy convincente su actuación. Alejandra Malvino con su solvencia y ductilidad compuso una Elvira de notable factura. Darío Leoncini exhibió grato timbre y buena escena para Cassio. Descollante actuación le cupo a Fabián Veloz como Iago. Es el mejor valor masculino de nuestro medio hoy por hoy y cada vez más se afianza en el plano internacional. Destiló odio y rabia por igual. Fue intrigante. Sometió a su esposa hasta arrancarle el pañuelo por el cual se desata la tragedia. Función perfecta. María Belén Rivarola compuso a una magnífica Desdemona. Timbre grato, impecable emisión. Supo expresar amor y dolor por igual.  Su “Canción del Sauce” conmovió. Fue largamente aplaudida. Finalmente, José Azocar impuso su autoridad en el rol protagónico. Timbre acerado y sin fisuras. Fiato imponente. Desplegó todos sus recursos (que vaya si los tiene) para redondear una labor absolutamente convincente. Demostró que puede seguir siendo convocado para participar en próximas temporadas,

  Así, con sólidas actuaciones vocales, corales, de buen desempeño orquestal y de aciertos de escenografía, proyección e iluminación, es que “Otello” se sostuvo en el escenario del Colón. Santa Cruz de Tenerife los espera próximamente.¡Suerte!.

Donato Decina