La Pianísta Arta Arnicane, destacada solista del último concierto de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires del pasado 19 de Julio en el Teatro Colón.Créditos: Prensa Teatro Colón. Fotografía del Mtro. Arnaldo Colombaroli.

Muy buena actuación de Chungki Min y Arta Arnicane con la Filarmónica

UN REPERTORIO FRANCÉS CUASI INÉDITO Y PRECISO

Martha CORA ELISEHT

Dentro del armado del repertorio de conciertos, a veces se conforma por obras

de diferentes compositores que vivieron en la misma época; en otras ocasiones, por

estilo y en otras, por nacionalidad. El repertorio francés fue el elegido en la función

correspondiente al Ciclo de Abono de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires

(OFBA) el pasado viernes 19 del corriente en el Teatro Colón bajo la dirección de

Chungki Min, con la participación de los siguientes solistas: Arta Arnicane (piano) y

Felipe Delsart (órgano) para interpretar el siguiente programa:

- Obertura Polyeucte- Paul DUKAS (1865-1935)

- Variaciones sinfónicas para piano y orquesta, FWV 46- Cesar FRANCK (1822-

1890)

- Sinfonía n°3 en Do menor, Op.78- Camille SAINT- SAËNS (1835-1921)

Tras la tradicional afinación de instrumentos a cargo del concertino Xavier

Inchausti, el maestro coreano hizo su aparición en el podio para ejecutar la mencionada

obertura de Paul Dukas, compuesta en 1891 y basada en la tragedia homónima de

Corneille, que narra el martirio de Polieuto de Melitene en mano de los romanos en el

siglo III de la era cristiana. Dukas debutó en público con esta pieza en los Conciertos

Lamoreux de París y, posteriormente, fue interpretada por Eugène Ysaÿe en Bruselas y

Sylvain Dupuis en Lieja. Se puede preciar influencias wagnerianas tanto en los

leitmotives como en la orquestación (maderas por tres, clarinete bajo, requinto, metales

por tres, tuba y percusión), pero también posee elementos que anticipan el surgimiento

del impresionismo francés. Una obra que se representa muy escasamente en el medio

local y una versión muy buena y precisa.

Seguidamente, la pianista letona Arta Arnicane brindó una magnífica versión de las

Variaciones sinfónicas para piano y orquesta de Cesar Franck, estrenadas en 1866 en el

concierto anual de la Societé Nationale de la Musique. Si bien era belga de nacimiento,

su obra se considera dentro del repertorio francés. En el caso particular de quien escribe,

era la primera vez que una la escuchaba y se trata de una pieza escrita en un único

movimiento, pero que funciona como si fuera un concierto para piano y orquesta. Sus

tiempos son: Poco allegro/ Allegro non troppo/ Allegretto quasi andante (presentado

por el piano) y las variaciones sinfónicas. Arta Arnicane no sólo ofreció una

interpretación llena de sutilezas, sino que asombró al público por su magnífica

digitación, pulsación y, por sobre todas las cosas, su precisión. La orquesta supo

acompañarla debidamente mediante una perfecta marcación de tempi. El público estalló

en aplausos al final de la obra, motivo que obligó a la solista a interpretar un bis. Fue

una pena no haber tenido un micrófono disponible para anunciarlo, porque no se la

podía escuchar. Logró otra genial versión y se retiró sumamente aplaudida.

La Sinfonía n°3, Op.78 “con órgano” de Saint- Saëns fue compuesta por

encargo de la Sociedad Filarmónica de Londres y estrenada en la capital inglesa en

mayo de 1866. A las pocas semanas luego de su estreno, Franz Liszt murió, motivo por

el cual el compositor francés dedicó su sinfonía a la memoria de su amigo. No se trata

auténticamente de una sinfonía para órgano, sino que dicho instrumento participa en dos

secciones de cada cuatro. Posee una orquestación profusa: cuerdas, maderas por tres,

piccolo, corno inglés, clarinete bajo, contrafagot, 4 cornos (2 naturales y 2 cromáticos),

tres trompetas, tres trombones, tuba, percusión (timbales, bombo, platillos y triángulo),

órgano de tubos y piano a cuatro manos. Sus dos movimientos (Adagio- Allegro

moderato en Do menor, 6/8- Poco adagio (4/4) / Allegro moderato- Presto (6/8)- fueron

ejecutados de manera brillante y precisa, con un perfecto dominio de tempi por parte del

director, donde los solistas de las principales secciones de instrumentos de la

Filarmónica tuvieron un excelente desempeño, al igual que el piano a 4 manos a cargo

de Iván Rutkauskas y Juan Ignacio Ufor. Pero quien se llevó los laureles -y los

aplausos- fue Felipe Delsart, cuya interpretación en órgano sonó magistral. La excelsa

acústica del Colón brindó el marco oportuno para que el órgano sonara como los dioses,

lo que valió una ovación de aplausos para el director, solistas y artistas.

Con excepción de la sinfonía de Saint- Saëns, este repertorio -cuasi inédito para la

mayoría de los asistentes- sonó sumamente preciso y representó otro logro más para la

Filarmónica. Lamentablemente, falta educar al público. Un concierto sinfónico no es un

recital donde se aplaude después de cada canción o melodía. El público que asiste

últimamente al Colón puede no saber este ítem, pero tampoco es posible que se cuele un

aplauso inmediatamente después de un silencio. La música es melodía y sonidos, pero

también existen pausas y silencios escritos en la partitura que se deben respetar. Caso

contrario, puede desconcentrar al intérprete y malograr un concierto. Sería óptimo

solicitar al público que se abstenga de aplaudir entre movimientos mediante el anuncio

de locución previo al inicio de cada concierto, pero parece ser que las propuestas de los

abonados y cronistas caen en saco roto.

 

CALIDAD CON MAYUSCULAS

 

Orquesta Sinfónica Nacional, Temporada 2024. Concierto: Director: Caros Calleja. Solista: Alexander Panizza (Piano). Programa: Obras de Wagner, Richard Strauss y Mahler. Auditorio Nacional del CCK, 19 de Julio de 2024.

 

NUESTRA OPINION: EXCELENTE

 

  Este concierto que marcó la reaparición del Mtro. Carlos Calleja como Director Invitado al frente de la Sinfónica Nacional, se caracterizó por la excelencia interpretativa en todas las obras por parte de una orquesta que respondió siempre de la mejor manera a los requerimientos del Director Invitado y que acompañó al solista  de manera absolutamente ajustada, en estilo y con plena conexión con éste último.

 

  En el comienzo se escuchó una muy buena versión de la Marcha Fúnebre de Sigfrido correspondiente  a la Opera “El Ocaso de los Dioses” de Richard Wagner correspondiente a la tercera y última jornada del ciclo “El Anillo del Nibelungo, música que va desde los compases iniciales en pianissimo que retratan el clima sombrío por la muerte del héroe hasta los enérgicos ataques que exponen el drama wagneriano con suma virulencia. Calleja expuso de notable manera todos los planos sonoros, tuvo pleno nervio y equilibrio interpretativo, extrayéndole a la orquesta lo mejor de sí.

 

  El Maestro Alexander Panizza fue el solista elegido para una magnífica versión del “Burleske” para Piano y Orquesta de Richard Strauss. Pieza en la que el compositor hace un guiño humorístico a todos los creadores para la combinación Piano-Orquesta, con instantes de suma enjundia, dificultades para el solista (el que llega a tener momentos en el estilo de Liszt), pasajes de construcción de acuerdo con los cánones del romanticismo e instantes de suma vibración, todo ello condensado en una partitura que, dependiendo de los intérpretes, ronda unos 22 a 25 minutos de extensión. Panizza exhibió pasajes de suma elegancia, ataques muy seguros, digitación plena, técnica impecable y portentoso sonido, acompañado por Calleja y la Orquesta, como ya dije, de manera magnífica, resaltando el diálogo del solista con el timbal, en este caso a cargo del Mtro. Marcos Serrano, quien lo hizo estupendamente bien. La ovación no se hizo esperar y el Mtro. Panizza electrizó al auditorio con una espectacular versión de la transcripción hecha por Franz Liszt de “La Campanella” de Paganini que hizo poner de pié al público y  arrancó aplausos por parte de todos los maestros de la Orquesta.

 

  El broche de oro tuvo lugar con una imponente versión de la Sinfonía Nº 1 en Re mayor “El Titán” de Gustav Mahler en donde Calleja pudo exponer de manera muy clara todos los detalles de esta formidable página. Acertadísimo en la elección del “tempi”, ajuste impecable del conjunto, exposición plena de los temas de cada movimiento, especialmente el tercero, el que contiene detalles de música “Klezmer”, junto a una sección central que lleva la re-elaboración de la música del lied “Los ojos azules de mi amada”, de tratamiento de corte “camarístico”,  con  notables intervenciones de los solistas de cada familia de instrumentos e ir siempre hasta el hueso en toda la partitura hasta exponer de manera imponente el tema de gloria final.

 

  Una merecida ovación por parte del público que llenó prácticamente la totalidad del Auditorio Nacional premió una labor sin fisuras de un conjunto cada vez más afianzado con sus nuevos integrantes y a la capacidad de un formidable Director cuyas presentaciones son sinónimo de jerarquía: Carlos Calleja.

 

Donato Decina

 

MERECIDO Y MUY SENTIDO HOMENAJE

 

Teatro Colón, temporada 2024. Tercer concierto del ciclo a cargo de la Orquesta Académica del Teatro Colón: Director: César Bustamante. Solistas: Diana Lopszyc-Manuel de Olaso (Claves), Claudio Barile (Flauta), Alumnos de Especialización en Opera Barroca del Instituto Superior de Arte: Natalia Salardino (Soprano), Lucas Alvan (Contratenor), Norberto Miranda (Tenor), Nicolás Foresti (Barítono). Academia Coral del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, Director: César Bustamante. Programa en homenaje al Maestro Mario Videla al cumplirse el primer año de su desaparición física con obras de Johann Sebastian Bach. 19 de Julio de 2024.

 

NUESTRA OPINION: MUY BUENO.

 

  Ya desde el artículo a cargo  de Marcelo Birman (Director del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón) inserto en el programa de mano,  se percibió una sentida evocación a uno de los más grandes solistas, pedagogos, gestores y difusores que la Argentina supo distinguir durante gran parte de la segunda mitad del siglo veinte y las primeras dos décadas del siglo veintiuno: Mario Videla, de quién se ha cumplido el primer año de su fallecimiento. Imposible no recordar sus trabajos como miembro de la Asociación Amigos de la Música, su infatigable labor como Director Artístico de Festivales Musicales de Buenos Aires (Al principio con exclusividad en el género Barroco para luego expandirse hacia el Clasicismo, Romanticismo y Post-Romanticismo) y finalmente su criatura musical: La Academia Bach de Buenos Aires de la que alcanzó a celebrar los cuarenta años de su constitución. Quienes hemos crecido con  la música durante sus ciclos no podemos olvidar lo que significó para nuestro medio la visita de intérpretes de la talla de Michel Corboz, Helmut Rilling o Leopold Hager,  ya sea con agrupaciones traídas por ellos desde el viejo continente o más aun, guiando a músicos argentinos con orquestas basadas sobre la Filarmónica de Buenos Aires o la Sinfónica Nacional de aquellas épocas. Si bien el mismo declaró no animarse a realizaciones en el género barroco con instrumentos a la usanza de época, su orientación fue con instrumentos de orquesta moderna bajo la guía de Maestros que interpretaban con el “tempi” de la época de las creaciones del género y El fue el continuador de ese estilo interpretativo en Ntro. Medio.

 

    La conducción de este concierto fue confiada al Mtro. Cesar Bustamante  quien en esta etapa de su carrera se está desempeñando como Director de la Academia Coral del Instituto del Colón y el programa, obviamente dedicado a obras de Johann Sebastian Bach, incluyó tres de las obras más representativas de su producción con muy reconocidos y solventes solistas que enaltecieron el marco de este homenaje.

 

  En primer lugar se escuchó el Concierto para dos claves en Do menor que lleva el Nº 1060 del catálogo BWV., en el que Diana Lopszyc y Manuel de Olaso  descollaron como solistas. Perfecta cumplimentación entre ambos, ataques precisos, inspiradísimos ambos en la sección central que es un desarrollado Adagio y  una vibrante intervención de los dos en el Allegro de cierre. El Mtro. Bustamante estuvo atento a cada frase musical y a las intervenciones orquestales, recalcando justamente a los jóvenes músicos los detalles por él pretendidos en cada intervención, redondeando un muy acertado acompañamiento.

 

  A renglón seguido, y con el aporte de un solista de la talla de Claudio Barile en flauta, se apreció una muy buena versión de la Suite Para Orquesta Nº 2  con Número 1067 del mismo catálogo BWV. Con la solvencia que siempre lo ha caracterizado, el Mtro. Barile desarrolló una labor formidable, en la que brindó una vez más la exquisitez de su sonido, su total compenetración con el estilo Bachiano y el total entendimiento con el Mtro. Bustamante y el conjunto.  A lo largo de la obra se pudo apreciar las reacciones favorables del público que colmó las instalaciones del Colón, máxime en esta época de receso invernal y con entradas gratuitas, por lo que no extrañó los aplausos entre movimientos a pesar de no ser lo recomendable en estos casos. La ovación final marcó justamente el disfrute del soberano ante la versión entregada.

 

  Como obra final se ofreció de manera íntegra la cantata “Corazón, Boca, Obras y Vida” que lleva el Nº 147 del ya mencionado catálogo. Un guiño de ojo al recordado programa dominical “La Cantata del Domingo” que el Mtro. Videla tuvo en Radio Nacional Clásica y en la que en cada emisión  comentaba la cantata que Bach había compuesto para el evangelio de ese día como parte de sus obligaciones como maestro de la Iglesia de Santo Tomás de Leipzig.  Desarrollada en dos partes, el tratamiento musical respecto a los textos guarda conexión con las convenciones de la época, esto es Coro en el comienzo, recitativo seguido de aria para retornar al coro en el final de la primera parte, comenzar con un aria la segunda, seguida de recitativo y otra aria y el coro nuevamente interviniendo, esta vez en el final de la página. Cuatro solistas intervienen en la misma: Soprano, Tenor, Barítono y aquí encontramos la novedad del empleo de un Contratenor en lugar de la contralto como se le escucha habitualmente.

 

  Fue de muy buen nivel la versión escuchada. El Maestro Bustamante fue un fiel traductor del estilo Bachiano con muy buenas respuestas del conjunto musical del que destaco al trompetista Yord Abregú con muy ajustadas y precisas intervenciones. La participación de la Academia Coral del Instituto Superior de Arte del Teatro, preparada y dirigida por el propio Mtro. Bustamante tuvo una muy ajustada intervención y en cuanto a los solistas destaco especialmente a la experimentada Natalia Salardino (Quién está desarrollando la especialización en Opera Barroca dentro del mismo Instituto) la que cantó con voz muy fresca y de agradabilísimo timbre. También fueron efectivas las participaciones del Tenor Norberto Miranda y del Contratenor Lucas Alvan, mientras que el Barítono Nicolás Foresti lo hizo con corrección. También estos tres últimos intérpretes  mencionados cursan la misma especialización que Natalia Salardino.

 

  La entusiasta respuesta del público motivó un bis que ya estaba preparado. Y es que el Maestro Bustamante homenajeó de la mejor manera a Mario Videla, haciendo participar al público para cantar (como en misa) el himno “Naciones todas Entonad” con el que Videla cerraba siempre estos conciertos. Nada mejor. Al recrearlo Bustamante logró que el público saliera de la sala tan revitalizado como cuando el Mtro. Videla lo hacía.

 

Donato Decina

 El viernes 19 se presentó en la Sala  principal del Teatro Colón  la Orquesta Académica del Teatro en un homenaje al primer año del fallecimiento del M° Mario Videla con un programa dedicado a J.S. Bach

Dirigida por el M°C.Bustamante contó con la presencia de Diana Lopszyc Claudio Barile y Manuel de Olaso como solistas
En primer lugar.se interpretó el Concierto para dos claves BWV 1060,considerado una de las cimas de esta serie.Aquí la orquesta es tratada con notoria relevancia en los movimientos extremos, asumiendo mayor importancia de lo habitual,a diferencia de su intervención en el movimiento central  donde acompaña con sencillos pizzicatos.Los M° De Olaso y Lopszyc dejaron oír la gran riqueza polifónica y  gama de matices de la obra en sus óptimas interpretaciones
Luego el M° Barile interpretó junto a la Orquesta la Suite para orquesta Nº 2
Las cuatro Suites orquestales de Bach siguen de cerca el modelo de la Suite francesa,tal como fue desarrollada principalmente por Lully. En su estructura incluye una Obertura y una secuencia de danzas con velocidades,
métricas y caracteres opuestos.En ellas se pudo escuchar al solista demostrando su musicalidad y virtuosismo, sobre todo el la Polonesa y en la célebre Badinierie, que bajo su aparente facilidad, guarda más de una trampa para el instrumento solista
Finalizado se escuchó la Cantata BWV 147.
Dentro de la producción de Bach se destacan una gran número de cantatas (más de 200), la mayoría de ellas de inspiración religiosa. La 147 "Herz und Mund und Tat und Leben" fue creada para la conmemoración de la fiesta de la visitación de la Virgen María. Es una de las más famosas gracias a su coral Jesu bleibet meine Freunde. El coro realizó un destacado trabajo,como así mismo los solistas.Asi la orquesta supo transmitir la especial riqueza en la instrumentación que indica la partitura,bajo la dirección del M° Bustamante,siendo destacable las intervenciones del oboe y la trompeta.Se llego al coral final,de una sencillez que desafía toda verbalización, de una de las cantatas más inspiradas de compositor.
Un merecido recordatorio a la figura del M° Videla, concierto que contó con una sala principal del Teatro repleta, que terminó con fervorosos aplausos a los artistas

                                                                                             Marta Lugo de Palacio

 Muy buena versión del Réquiem de Mozart por el Ensamble CONCENTUS

CON INSTRUMENTOS ORIGINALES, ES OTRA COSA

Martha CORA ELISEHT

Con una notable presencia de público, se llevó a cabo el segundo concierto del

Ciclo “ROMÁNTICOS Y REVOLUCIONARIOS” organizado por el Ensamble

CONCENTUS bajo la dirección de Ricardo Sciammarella el pasado martes 16 del

corriente en el Teatro Avenida, denominado “UN RÉQUIEM PARA MOZART” y que

contó con la participación del Grupo de Canto Coral dirigido por Néstor Andrenacci y

los siguientes solistas: Silvina Petryna (soprano), Sarah Migliori (mezzosoprano),

Ricardo González Dorrego (tenor) y Víctor Torres (bajo/ barítono). Al igual que en el

concierto anterior, hubo dos actores -Belén Pasqualini y Néstor Caniglia- quienes

interpretaron a Constanza Weber y a un periodista encargado de efectuarle un reportaje.

La dramaturgia estuvo a cargo de Betty Gambartes y Diego Vila, con dirección general

de Betty Gambartes.

El programa estuvo compuesto por las siguientes obras:

- Obertura del oratorio “JUDAS MACABEO”, HWV 40- Georg F. HÄNDEL

(1685-1759)

- Réquiem en Re menor, K.626- Wolfgang A. MOZART (1756-1791)

- Ave Verum corpus, KV 618- Wolfgang A. MOZART (1756-1791)

Dedicado al príncipe William August -Duque de Cumberland- con motivo de su

victoria en la batalla de Culloden en 1746, Händel decide componer su célebre oratorio

JUDAS MACABEO en ese mismo año con versos de Thomas Morell, quien, a su vez, se

basó en el deuterocanónico Macabeos (2-8), con motivos agregados de las

Antigüedades Judías de Flavio Josefo. Gozó de una inmensa popularidad desde su

estreno en 1747 y ha sido fuente de inspiración para otros compositores de la talla de

Beethoven y Mozart. Su obertura es un clásico ejemplo de obertura a la francesa y

consta de dos secciones (Largo/ Allegro), con un contrapunto característico. El

Concentus brindo una muy buena versión, con perfecto dominio de tempi y empleo de

instrumentos de época.

Tras los aplausos, el demiurgo Néstor Caniglia hizo su presentación sobre el

escenario para interpretar a un periodista dispuesto a entrevistar a Constanza Weber -

viuda de Mozart- con motivo de aclarar la verdad sobre la composición del Réquiem. En

Junio de 1791, se presentó en el domicilio del compositor un hombre vestido de negro,

que rehusó identificarse y que le encargó la composición de un réquiem.

Posteriormente, se supo que era un emisario del Conde Franz Walsegg von Suppach,

músico aficionado cuya esposa había fallecido y que quería pasar la obra como si fuera

suya. Debido a la muerte de Mozart en Diciembre de 1791, el Réquiem quedó

inconcluso, motivo por el cual, su viuda solicitó a varios de sus alumnos poder

finalizarlo y que pareciera escrito por el propio compositor. La responsabilidad cayó en

Franz Süssmayr (1766-1803), quien aceptó el encargo en 1792 y preparó una copia

limpia de la partitura de Mozart, agregando su orquestación. Actualmente, se sabe que

Mozart completó íntegramente el Introito y la mayor parte del Kyrie, Sequentia y

Ofertorium, que fueron completados y orquestados por Süssmayr. El Sanctus,

Benedictus y Agnus Dei pertenecen a Süssmayr, pero el número final (Lux Æterna)

posee la misma melodía del inicio. De esta manera, la obra se cierra con la música

original de Mozart y toma un sentido cíclico.

Sobre esta controversia acerca de la autoría de la obra, Betty Gambartes creó una

dramaturgia fantástica para dar origen al reportaje anteriormente mencionado, donde

Belén Pasqualini se lució no sólo como actriz, sino también como cantante -interpretó

las primeras líneas de la Misa en Sol mayor -, mientras que Néstor Caniglia dio vida a

un periodista incisivo y arrogante.

Tras la intervención de los actores, el Grupo de Canto Coral Buenos Aires, los

integrantes del Ensamble Concentus y los solistas tomaron su ubicación sobre el

escenario para brindar la versión original completada por Süssmayr, que posee

instrumentos originales de época (corno di bassetto en vez de oboe, fagotes vieneses y

sacabuches -especie de trombón usado en música religiosa de la época, de timbre

solemne-). Merced al gran desempeño de Ricardo Sciammarella en el podio, la labor de

los músicos fue estupenda, logrando una versión con un sonido de época que no se

escucha habitualmente. Si a esto se le suma que el ensamble cuenta con profesionales de

altísima jerarquía -algunos de los cuales son especialistas en este género-, la calidad fue

insuperable. Por su parte, el desempeño del Grupo de Canto Coral Buenos Aires fue

magnífico, con un perfecto equilibrio entre las voces, merced a la preparación de Néstor

Andrenacci -otro especialista en el tema-. Dentro de los solistas, tanto Silvina Petryna

como Sarah Migliori, Víctor Torres y Ricardo González Dorrego tuvieron una gran

noche en todas y cada una de sus respectivas intervenciones.

Tras un aluvión de aplausos y vítores, los intérpretes brindaron una hermosísima

versión de Ave Verum Corpus, motete para coro, cuerdas y órgano compuesto por

Mozart en 1791 con motivo de la celebración de Corpus Christi, que sonó bellísimo y, a

la vez, simple y sencillo. Otra nueva ovación para los intérpretes, dando cierre a un

concierto brillante. Una de las mejores versiones del Réquiem mozartiano, que permite

apreciar la belleza de la melodía original mediante el empleo de instrumentos de época.

 

Final del tercer acto de "Carmen" en la visión de Calixto Bieito. Créditos: Prensa Teatro Colón, fotografía del Maestro Arnaldo Colombaroli.

 

 

A CONFESION DE PARTES, RELEVO DE PRUEBAS

 

Teatro Colón, temporada 2024. Opera: “Carmen”, basada en la novela de Prosper Merimée con libreto de Ludovic Halévy y Henri Meilhac y música de Georges Bizet.

Intérpretes: Francesca di Sauro (Carmen), Leonardo Caimi (Don José), Simon Orfila (Escamillo), Jaquelina Livieri (Micaela), Cristian de Marco (Zuñiga), Sebastián Klastornick (Dancairo), Pablo Truljchak (Remendado), Laura Polverini (Frasquita), Daniela Prado (Mercedes), Felipe Carelli (Morales), Iván García (Lilas Pastia). Coro Estable del Teatro Colón, Director: Miguel Martínez, Coro de Niños del Teatro Colón, Directora: Helena Cánepa, Orquesta Estable del Teatro Colón. Escenografía: Alfons Flores, Vestuario: Mercé Paloma, Iluminación: Alberto Rodríguez Vega. Dirección Musical: Kakhi Solomnishvili. Puesta en escena: Calíxto Bieito en reposición de Yves Lenoir. Función del 16 de Julio de 2024.

 

NUESTRA OPINION: REGULAR

 

  “Normalmente trabajo con mucha libertad, pero aquí hice lo que quise”. Esta frase textual se halla en el programa de mano página 11 dentro del artículo “En Escena” y la firma el responsable de la puesta, Calixto Bieito. Es una perfecta síntesis de lo que se vio en el escenario del Colón. Una versión libre de “Carmen” de autoría del Director Escénico, basada en este caso no en la novela de Merimée, sino a partir de la Opera de Bizet con libreto de Halevy  y Mehilac, por lo que entiendo que carece de sentido adentrarse en disquisiciones, debates, discusiones y demás sobre el respeto o no al original, si los movimientos escénicos se correspondían con la puesta tradicional o no. Yo fui a ver “Carmen” de Bizet y el Colón ofreció “Carmen” de Bieito. Entrando entonces de lleno a analizar a ésta última, encontramos un alegato contra la violencia de género (enfoque actual de Bieito  por lo que evidentemente ha actualizado el concepto de su espectáculo respecto a un cuarto de siglo atrás) en donde un atribulado Don José  culmina por descargar su odio sobre la  protagonista ante un nuevo fracaso en su vida, esta vez el definitivo, tras ser un hijo dominado por su madre,  un soldado desertor y una pareja que está a años luz de ser la ideal para El.  Al cambiar el lugar en donde transcurre la acción, en este caso Ceuta, una de las dos emblemáticas ciudades del Africa Territorial en posesión de España, desde donde en 1936 se alzó Francisco Franco contra la República, estamos hablando de otras fronteras, ya sea con Marruecos en lo geográfico, con otro tipo de vida y otro tipo de costumbres. Es una rémora de la transición de la dictadura Franquísta a la Monarquía democrática con lo que para muchos significó el “destape” español. A lo largo del espectáculo desfilarán escenas de fuerte connotación sexual,  diferentes tipos de violencia y escatológicas que culminan con el asesinato de “Carmen”.  Para el que fue a ver Carmen como en mi caso y muy a pesar de toda esta carga comentada, hemos visto puestas, incluso de realizadores nacionales en el mismísimo Colón, de corte mucho más explosivo (recuerden Beatrix Cenci) y me terminó resultando absolutamente anodina. Incluso ésto pareció trasladarse al escenario en donde algunos intérpretes parecían estar “pasando” letra.  ¿Quiénes superaron este desafío?: Jaquelina Livieri con una Micaela de impecable factura tanto  vocal como actoralmente y con total justicia la más aplaudida de la noche, la dupla Frasquita-Mercedes interpretadas por Laura Polverini y Daniela Prado, respectivamente, con total gracia y mucho desparpajo sumadas a una estupenda línea de canto en ambas y un correcto Simón Orfila en Escamillo. Otra vez más el Coro Estable se erigió en puntal fundamental de la función bajo la guía de Miguel Martínez. Un Coro de Niños al que la puesta no lo benefició en el primer acto ya que al cantar desde muy atrás se perdía el caudal y no se lo escuchaba. Desgraciadamente se desperdició a un artista de los quilates de Iván García al emplearlo como Lilas Pastia (Rol actuado). Ojalá podamos verlo pronto en roles vocales a su medida. El resto de co-primarios cumplieron en sus partes haciéndolo con absoluta corrección.

 

  La pareja protagonica a cargo de Francesca di Sauro (Carmen) y Leonardo Caimi (Don José) no estuvo a la altura del espectáculo. Vocal y actoralmente absoluta medianía en ambos. ¿Qué se puede decir cuando dos páginas sublimes como la “Habanera” y el “Aria de la Flor” son recibidas por el público con respetuosos aplausos de circunstancia?. Otro tanto le cabe a la Dirección orquestal de Kahki Solomnishvili, correcta en tempi pero absolutamente carente de matices.

 

  Donato Decina

 

Escena previa al asesinato de Carmen durante la función de estreno. Aquí sus protagonistas: Francesca di Sauro y Leonardo Caimi. Créditos.Prensa Teatro Colón, Fotografía del Maestro Arnaldo Colombaroli.

La Carmen de Bieito

Georges Bizet – Cermen – Teatro Colon 16/07/2024

La opera Carmen, de Georges Bizet, fue estrenada en L’Opera

Comique de Paris el 3 de marzo 1875 y no fue un éxito

inmediato. De hecho, Bizet murió el 3 de junio de ese mismo año

conociendo las críticas desfavorables y no la trascendencia que

más tarde tendría su obra maestra.

Carmen es una obra tan trascendental, popular y vigente que dio

lugar a infinidad de adaptaciones en diversos géneros artísticos.

Quizás es por eso que se menciona más a “La Carmen de….” que

de “La Carmen de Bizet y sus libretistas”.

En el programa de mano de la función del Colon, aparece un

comentario firmado por Calixto Bieito, perpetrador de la puesta

en escena, que confiesa “aquí hice lo que quise”, y es una verdad

evidente pues esta fue “SU” Carmen y no la de Bizet.

Hace ya tanto tiempo que existe la discusión entre las “puestas

tradicionales” y “las puestas modernas”, que no hay nada que

agregar y cada cual tendrá su posición al respecto. Y tanto es así

de perimido el tema, que esta producción de “La Carmen de

Calixto Bieito” ya cumplió un cuarto de siglo y a pesar transgredir

la obra de Bizet, hoy resulta vieja y aburrida. El hecho de

provocar para escandalizar, perdió vigencia. Tanto nos han

provocado y escandalizado, que a estas alturas nada sorprende o

exaspera.

Pero sí, hay que reconocer algo en Calixto Bieito que ya

habíamos apreciado en su visita anterior, en el Teatro Argentino

de La Plata, en ocasión de su puesta de Pepita Jimenez de

Albeniz. A diferencia de otros registas actuales, él propone un

trabajo de marcación y movimiento escénico de acuerdo con su

estilo y visión de la obra; a diferencia de otros que solo quieren

llamar la atención en lo visual dejando de lado la labor del

Director de escena sobre la marcación actoral de los intérpretes

y el desarrollo dramático del argumento.

El nivel musical de la ejecución tampoco ayudó a levantar un

poco el nivel. El Director musical, Kahki Solomnishvili impartió

por momentos tiempos muy veloces y muy poco refinados para

el estilo de la obra.

Por otro lado, los protagonistas principales de esta Carmen se

desenvolvieron en un nivel discreto de corrección sin lograr

trascender con el canto.

Tampoco los ayudó las características de una escenografía tan

abierta que por momentos dificultaba su audición.

Hubo si, momentos interesantes como el Aria de Micaela,

cantada por Jaquelina Livieri , la mejor del elenco, con sutilezas y

expresión y el Aria de las cartas, cantada por la protagonista de

esta Carmen, Francesca di Sauro que resultó convincente.

El conjunto de cantantes que participaron en los roles

secundarios fue de un buen nivel, destacándose Laura Polverini y

Daniela Prado en los roles de Frasquita y Mercedes

respectivamente.

Buen trabajo del Coro Estable, con belleza de sonido, aunque a

veces un poco extralimitado en el volumen de ciertos pasajes.

Conclusión: Una tediosa función de la ya vieja “Carmen de

Calixto Bieito”

Roberto Falcone

 

Pianista con mayúsculas, Danil Trifonov agradece las ovaciones que el público del Teatro Colón le tributó a lo largo de toda su actuación en el Teatro. Créditos: Prensa Teatro Colón, fotografía del Maestro Arnaldo Colombaroli.

 El debut de un excelente pianista

Daniil Trifonov en el Colón

Teatro Colón

Lunes 15 de julio de 2024

 

Escribe: Graciela Morgenstern

 

Daniil Trifonov (piano)

Programa:

Jean-Philippe Rameau : Suite en La menor

Wolfgang Amadeus Mozart: Sonata Nº 12 en fa mayor, K. 332

Sergei Rachmaninov: Variaciones sobre un tema de Corelli, Op. 42

Ludwig van Beethoven: Sonata Nº 29 en si bemol mayor, Op. 106 “Hammerklavier”

Con un programa variado y atractivo y una sala colmada de público expectante que

esperaba su presentación, debutó en el Teatro Colón el joven pianista ruso Daniil

Trifonov. Considerado uno de los mejores del mundo en este momento, dio muestras de

que este concepto lo tiene bien ganado.

La velada comenzó con Suite en La menor, de Rameau, reemplazando el anunciado

Álbum de la juventud, Op. 39, de Tchaikovsky. Trifonov realizó un soberbio trabajo de

filigrana con esta obra del barroco francés, mostrando su perfecto dominio del instrumento

y precisión en la digitación, además de sutileza.

La primera parte continuó con una magistral interpretación que abordó la  Sonata Nº 12 en

fa mayor, K. 332, de Mozart combinando virtuosismo y sensibilidad. En todo momento

resaltó los contrastes entre movimientos con fraseo elegante y profundidad emotiva.

Cerrando esta primera parte, Trifonov abordó las Variaciones sobre un tema de Corelli,

Op. 42, de Sergei Rachmaninov, evidenciando una técnica sin quiebras y profunda en

emotividad. El pianista exhibió versatilidad y gran capacidad para abordar las diferentes

variaciones de manera fluída.

Luego del intervalo, el artista culminó su magnífica actuación con la Sonata Nº 29 en si

bemol mayor, Op. 106 “Hammerklavier”, de Beethoven, obra monumental que presenta

innumerables desafíos para el intérprete y a la que imprimió un sello propio. El joven

pianista, una vez más, puso de manifiesto su destreza técnica y una paleta de colores

emocionales que fueron desde la grandiosidad expansiva, al ritmo y la energía, y a la

melancolía de una belleza conmovedora. Ya en la fuga final, su dominio de la complejidad

contrapuntística, ejecutada impecablemente y con una fuerza arrolladora llevó el

concierto a un cierre triunfal.

Las ovación no se hizo esperar, lo que llevó a Trifonov a ofrecer cinco obras fuera de

programa, entre ellas, un tango de su propia autoría y Canción del árbol del olvido, de

Alberto Ginastera.

Un concierto para recordar. Es de esperar que se repita

CALIFICACION: EXCELENTE

 

Protagonístas de "Hansel y Gretel" de Humperdinck durante la función presenciada por Martha Cora Eliseht en el Teatro Avenida. Créditos a la autora de la crítica.

Buena producción de “HÄNSEL Y GRETEL” por Opera Festival Buenos Aires

EN LOS CUENTOS DE HADAS, LAS BRUJAS SON MALAS

Martha CORA ELISEHT

En vacaciones de invierno, las óperas infantiles representan una excelente

opción para familiarizar a los chicos con el género y, de paso, crear y formar nuevos

públicos. Dentro de éstas, la más conocida y representada mundialmente es HÄNSEL Y

GRETEL, de Engelbert Humperdinck (1854-1921), basada en el cuento homónimo de

los hermanos Grimm y que se representó en el Teatro Avenida los días 6 y 13 del

corriente por la compañía Ópera Festival Buenos Aires, con dirección general y artística

de Graciela De Gyndefelt. Esta producción contó con la siguiente ficha técnica:

dirección de escena, escenografía e iluminación de Emilio Urdapilleta, vestuario de

Mariela Daga, asistencia de vestuario y maquillaje de Ana Julia Figueroa y María Luisa

Gómez Hoyos; peinado y pelucas por parte de Fabián Seguino y subtitulado de

Guadalupe Sánchez. Participaron el Coro de Mujeres y Niños del Festival, dirigido por

Damián Roger y la Orquesta del Ópera Festival, dirigida por Helge Dorsch.

Esta cronista asistió a la función del pasado sábado 13 del corriente, con el

siguiente reparto: Lidice Robinson (Hänsel), Ana Sampedro (Gretel), Virginia Lía

Molina (Madre), Luis Gaeta (Padre), Luchi De Gyndefelt (La Bruja) y Lorena Sayegh

(Hombrecito de Arena y Hada del Rocío).

Esta auténtica gema de la ópera infantil se representó en su idioma original y se

dispuso de subtitulado electrónico para facilitar su comprensión. Discípulo y asistente

de Richard Wagner, Engelbert Humperdinck ha sido un músico muy prestigioso y un

gran pedagogo, que puso la influencia wagneriana al servicio de la música popular y,

especialmente, de la ópera infantil, siendo un auténtico precursor del género. Además de

Hänsel y Gretel, compuso otros títulos tales como Cuatro Lieder para niños, La Bella

Durmiente, Los siete Geislein, Los Hijos del Rey y Sueño de Navidad. El libreto

pertenece a su hermana -Adelhaide Wette-, sobre el cuento de los hermanos Grimm. Su

estreno tuvo lugar en Weimar en 1893 bajo la dirección musical de Richard Strauss y

gozó de una enorme popularidad desde su estreno. Posteriormente, Gustav Mahler la

dirigió al año siguiente en Hamburgo y Arturo Toscanini, en 13 ocasiones entre 1901 y

1902. Se compone de tres actos, divididos por interludios orquestales donde predominan

los diferentes leitmotives característicos de los protagonistas, junto con melodías

folklóricas alemanas y danesas. El resultado es una obra maestra, con una línea

melódica exquisita que ilustra a la perfección este célebre cuento infantil.

En la presente producción, la escenografía es sumamente sencilla, pero efectiva.

El primer acto muestra la humildad en la que vive la familia (una cocina, una mesa, una

alacena y dos sillas), mientras que el segundo se desarrolla en el bosque y, en el tercero,

no faltan la casa de dulces de la Bruja -en cuyo marco se leía claramente la palabra

Hexe (en alemán, bruja)-, la jaula donde encierra a Hänsel y el horno. Los cambios de

escena se hicieron mediante la presencia de figurantes y bajada de telón entre los

diferentes actos y sus correspondientes interludios orquestales. La caracterización de los

personajes estuvo muy bien realizada, al igual que la de los niños que recuperan la vida

cuando se rompe el maléfico hechizo tras meter en el horno a la Bruja. El bien triunfa

sobre el mal, los padres se reúnen con sus hijos y hacia el final, la algarabía sobre el

escenario es total.

El maestro alemán Helge Dorsch tuvo un muy buen desempeño, teniendo en

cuenta que el foso del Avenida es pequeño para que quepa el orgánico que la obra

requiere -motivo por el cual, la percusión se situó en el palco avant-scène-. Logró que la

orquesta del Festival tuviera un buen sonido, al igual que el coro de niños y las voces

femeninas. Excelente las actuaciones de Lidice Robinson y Ana Sampedro en los roles

protagónicos, sobresaliendo por los matices vocales, la coloratura y la línea de canto,

además de la caracterización. Por su parte, Virginia Lía Molina tuvo un muy buen

desempeño como la Madre, al igual que Lorena Sayegh como el Hombrecito de Arena -

que protege el sueño de los niños cuando se pierden en el bosque- y el Hada del Rocío

cuando los despierta. Pero quien se llevó los aplausos fue Luis Gaeta, quien, una vez

más, hizo gala de su maestría, profesionalidad e histrionismo al encarnar al Padre. De

más está decir que es uno de los mejores cantantes líricos argentinos y lo demostró con

creces sobre el escenario.

El rol de la Bruja es uno de los más importantes dentro de esta ópera y lo

interpreta una mezzosoprano. En este caso, estuvo a cargo de Luchi De Gyndefelt, quien

se define como una mezzo queer; es decir, se relaciona con una identidad de género que

no corresponde con las reglas establecidas en cuanto al tema de sexualidad o de género.

Si bien su caracterización y su actuación estuvieron perfectamente bien, se notó mucho

desde el punto de vista vocal que se trata de un hombre que canta en falsete, con una

emisión sonora áspera, desprolija y -por momentos- chillona. Una pena, porque opacó

una función que era muy buena en todos los aspectos hasta su intervención.

Como en todos los cuentos infantiles, el bien triunfa sobre el mal y en la ópera

de Humperdinck, cuando los hermanos se enfrentan al maléfico poder de la Bruja, la

inteligencia y la astucia priman por sobre la maldad. En los cuentos de hadas, las brujas

son malas y puede llegar a ser peor cuando no se define.

Escena de conjunto de "Hansel y Gretel" que Opera Festival de Buenos Aires ofrece en el teatro Avenida. Créditos: Martha Cora Eliseht.