UNA INTERESANTE RESOLUCION

"Buenos Aires Lirica", Temporada 2017: "La Scala di Seta", Farsa lirica en un acto con musica de Gioacchino Rossini y Liberto de Giuseppe Maria Foppa. Interpretes: Constanza Diaz Falu (Giulia), Sebastian Russo (Dorvil), Luis Loaiza Isler (Germanno), Guadalupe Maiorino (Lucilla), Sergio Carlevaris (Blansac), Patricio Oliveira (Dormont). Ensamble instrumental, Direccion Musical: Carlos David Jaimes. Escenografia: Rodrigo Gonzalez Carrillo. Diseño y Realizacion de Vestuario: Julieta Harca. Iluminacion Ricardo Sicca. Puesta en Escena: Cecilia Elias. Teatro Picadero, funcion del 19 de Junio de 2017.

NUESTRA OPINION: MUY BUENO.

  Si me dejo llevar por las impresiones con las que sali de la funcion en el Teatro Picadero, el titular de esta cronica deberia haber sido expresado en plural. Prefiero hacerlo en singular para no quitarle un inmenso merito a los artistas (sean estos los que estan a uno u otro lado del escenario), que supieron con inteligencia y medios nobles plasmar un trabajo de notable categoria que desgranare en las proximas lineas. La otra parte del plural esta en la decision de las autoridades de Buenos Aires Lirica de escoger el historico espacio del Teatro Picadero, el que si bien no tiene la amplitud de la sala del Avenida, con la realizacion de siete funciones consecutivas en dias Lunes a las 20 hs., cubre las necesidades de todos los abonados de Esta Asociacion (Al fin y al cabo son solo tres funciones mas respecto a las que se realizan en el Avenida). Frank Marmorek, titular de esta entidad, me mencionaba en el dialogo telefonico que mantuvieramos al aire en Ntras. ediciones sabatinas por On Radio, que el desafio para BA Lirica para retener los abonados hoy es: Espectaculos agiles (tanto en duracion como en propuestas a ofrecer), resueltos con creatividad, para un publico que hoy no posee mucha disponibilidad horaria (Y porque no, monetaria) para concurrir. Si hoy percibimos en funciones pagas, sean organizadas estas por instituciones publicas o entidaes privadas, una notable merma de concurrencia (no todos los bolsillos pueden abonar ya siquiera un paraiso de pie del Colon como un Sobreparaiso del Avenida y como ya yo lo exprese ese publico se ha enfocado en la inm,ensa oferta de actividades gratuitas, algunas de ellas de renombre internacional), ver la sala del Picadero practicamente llena es un aliciente tanto para la organizacion y, fundamentalmente, para los artistas que se ven estimulados a la hora de encarar la funcion. Por si alguien no lo sabe, el Picadero albergo la primera edicion de Teatro Abierto en 1981 en plena dictadura, en lo que constituiria plantarse y alzar la voz frente a las atrocidades cometidas por esta.  Un incendio, jamas esclarecido pero siempre presumido en cuanto a su procedencia, destruyo sus instalaciones a horas del debut. Historicos nombres de las letras argentinas se habian comprometido a colaborar y aportar trabajos. Creadores de la talla de Carlos Gorostiza, Carlos Somigliana, Roberto "Tito" Cossa, Eugenio Griffero, Griselda Gambaro, entre otros, fueron los puntales iniciales. ¿Como no recordar obras como "Gris de Ausencia", "El Acompañamiento", "Principe Azul"? o bien el recordado documental: "Pais Cerrado -Teatro Abierto". Luego del incendio, sobre sus escombros llego a montarse un estudio televisivo. Hoy vuelto por suerte a su actividad fundacional, el querido semicirculo de la cortada Discepolo (Ex Rauch) alberga tambien a la opera desde hace un par de temporadas, desde que justamente BA Lirica comenzo con espectaculos experimentales como la adaptacion de "Agrippina" de Haendel. Ahora , luego de la etapa de experimentacion, el desafio es incluir espectaculos de abono y la decision se enfoco en Rossini y uno de los trabajos Bufos desarrollado por el genio de Pesaro para Venecia: "La Scala di Seta", el que junto a "La Cambiale del Matrimonio", "L'Inganno Felice", "La Occassione fa  Il Ladro" y, fundamentalmente "La Italiana En Argel" formaron parte de ese embrion casi fundacional, los que desembocaran luego en otra clase de trabajos del que "Tancredi" seria el primer eslabon. Giuseppe Maria Foppa se encargo del libreto, el que tiene todos los moldes del genero para esa epoca: Niña pupila, para la que su tutor le tiene reservado a un  oficial militar como pretendiente, ignorando que la chica ya esta casada en secreto con su verdadero amor, con el que mantiene en su habitacion sus encuentros a los que este accede a traves de un largo corte de seda, el que se extiende desde la ventana al jardin de la casa en la que Ella vive. (Si Planard (autor de "L'Echelle de Soie" en la que se baso Foppa para el libreto) o el propio Foppa leyeron alguna vez el Celebre "Romance del Enamorado y la Muerte" del Romancero Español (Por aquello de "Te echare un cordon de seda para que subas arriba"), no es seguro, lo cierto es que es algo muy sugestivo que los amantes se encuentren de esa manera, dandole a aquella situacion dramatica del poema un tinte de comedia). Un criado intrigante que a partir de observaciones lleva chismes de un lado a otro, una prima de la joven enamorada del pretendiente y un tutor ignorante de toda la situacion. El Cocktail esta servido.

  ¿Como se resolvio?. Con mucho ingenio. Cecilia Elias, una coreografa de la que apreciaramos por ejemplo, muy correctos trabajos suyos en las puestas de "La Traviata" e "Il Ritorno d'Ulise In Patria", hace su presentacion como Directora Escenica de Opera con esta produccion. Situo la accion a comienzos del siglo veinte, en donde la Pupila se convirtio en una "Primma donna", protegida del Director de la Compañia, el que quiere casarla con un Instrumentista amigo (que se revelara como mujeriego empedernido), el oculto esposo mantiene su condicion del tal pero es tambien amigo del instrumentista, la prima es la prima, pero el criado, el que aqui es presentado como el vestidor teatral, sera en condicion de tal el que mueva los hilos de la trama. La accion transcurre integramente en el Camarin de la joven. De la ventana de este colgara "La Scala" y en los interiores ("toalette", "antecamara" y la puerta del Camarin), transcurrira la accion la que se desarrrollara de forma "Vaudevilesca", con el clasico juego de las puertas en la comedia, interaccion hasta con el grupo instrumental en donde Blansac actura como Flautista y en donde el continuo (que es Ezequiel Fautario, responsable ademas de la preparacion de los interpretes) hara tambien un personaje mudo, el que sera confidente de las dudas y dolores de Blansac y de Dorvil poniendoles el hombro y ofreciendoles el trago de Bar desde una estrategica petaca. En un corto espacio Rodrigo Gonzalez Carrillo, desarrollo una interesante escenografia con todos los detalles de un camarin de comienzos del siglo veinte. Otro tanto cabe para un muy bello vestuario aportado por Julieta Harca y subrayados ambos (obvamente junto a los interpretes) por una muy correcta iluminacion de Ricardo Sicca. Asi, franca, sencilla, con economia de medios y aprovechamiento integral del escenario (el ensamble a un costado y la accion en una plataforma del otro lado en donde esta montado el camarin), transcurre la puesta con un muy buen deambular de los personajes en el escenario y una muy correcta marcacion actoral, para que los cantantes y los musicos hagan luego lo suyo.

  Entonces vayamos a la parte vocal. Grata sorpresa ha sido que el nivel de todas las voces y las respectivas asignaciones de roles fueron todas irreprochables. Guadalupe Maiorino compuso con frescura a Lucilla (la Prima de la protaginista que finalmente se sacara el gusto de casarse con Blansac), tuvo bella emision y soltura en la actuacion. Patricio Oliveira (acaso uno de los mas experimentados valores del elenco) se lucio como Dormont (Tutor aqui devenido en Director), jugo la comedia en fantastica forma y canto con noble solvencia. Sergio Carlevaris demostro que ya sea para el Barroco, el Clasicismo o el Bel Canto, las condiciones le sobran. Tuvo presencia escenica y estupenda linea de canto. Luis Loaisa Isler fue el "bastonero" del espectaculo. El Eje. El responsable de mover alocadamente los hilos de la trama y de jugar "al telefono descompuesto" con la interprteacion que hace de los hechos. Tuvo mucha solvencia y buena linea vocal. Y llegamos asi a los dos protagonistas. El mas conocido de ambos es Sebastian Russo y tuvo una descollante actuacion. Muy seguro, muy buen actor, desenvoltura absoluta y magnifica linea de canto con agudos extremos de una extension y firmeza superlativas. Y la protagonista, Constanza Diaz Falu, excelente acriz, muy buena cantante y dueña de una formidable extension vocal, haciendo honor al rol de "Primma Donna" con agudos de verdadera "Primma Donna". Para ambos es tiempo de que se los tenga en cuenta en realizaciones de mayor compromiso, para los que no dudo en señalar de que estan verdaderamente capacitados.

  Finalmente la parte instrumental. Un ensamble integrado mayoritariamente por reconocidos valores de las Estables del Colon, del Argentino de La Plata y de la Sinfonica Nacional, conducidos por Carlos David Jaimes, co-conductor de la Orquesta Academica de Buenos Aires. Se empleo una reduccion de la que no se consigno el origen, con similar instrumentacion que la que , por ejemplo, empleo el Ensamble Lirico-Orquestal para "El Barbero de Sevilla" (realizado a tres cuadras del Picadero en el Palacio "La Argentina" hace cuarenta y cinco dias atras) y que es como se concebian los espectaculos operisticos ofrecidos en lugares reducidos durante gran parte del siglo veinte. Al igual que las voces, la seleccion de los integrantes del grupo ha sido irreprochable, empero, hay dos detalles que deben tenerse en cuenta para las proximas funciones. Uno, ajuste de sonido,  ya que por momentos la masa compacta de aerofonos cubre por completo el sonido de los cordofonos. Al menos asi, lo escuche desde mi posicion a la izquierda de la sala mirando hacia el escenario. El segundo, los "Tempi" elegidos en algunos fragmentos como las arias de la pareja protagonica se hicieron de modo lento. Si bien, llegaron al ritmo justo y el espectaculo transcurrio de manera dinamica, un poco mas de velocidad redundaria en un beneficio aun mayor. La conexion Palco Escenico-Ensamble-Director, funciono como un aceitadisimo mecanismo de relojeria y de ahi los resultados que acabo de reseñar.

  El saldo es un gratisimo espectaculo que vale la pena ver y del que saldran sonrientes y encantados. Y siendo un Lunes, que mejor asi para comenzar la larga semana.

Donato Decina

MUY BUENOS AMIGOS QUE HACEN MUY BUENA MUSICA

Teatro Colon, Ciclo de Interpretes Argentinos: Actuacion del "Cuarteto de Amigos". Haydee Seibert (Primer Violin), Gustavo Mule (Segundo Violin), Elizabeth Ridolfi (Viola), Myriam Santucci (Violonchelo). Programa: Obras de Haydn, Mendelsohn y Brahms. Teatro Colon, 10 de Junio de 2017.

NUESTRA OPINION: MUY BUENO.

 Desde hace siete años (cuando reabrio la sala) el Colon desarrolla este ciclo, en el cual notorios solistas y conjuntos conformados por integrantes residentes en la Argentina se presentan en una actuacion que en promedio orilla la hora y algun poco mas de duracion. Muchas veces se descubren trabajos poco frecuentados sean de musicos universalmente consagrados o rarezas nacionales. Tambien grupos (como el que hoy convoca a esta cronica) integrados por reconocidos integrantes de agrupaciones de mayor envergadura, los que tambien han tenido destaque como solistas instrumentales. Lo cierto es que dos veces por mes a las once de la mañana de los Domingos (con entradas gratuitas), mucha gente (entre los que se incluyen mayores antes habitues que ahora no pueden concurrir al Colon y los otros escenarios alternativos por el elevado precio de las localidades  y que ahora van a este ciclo, ademas de ir al CCK, la Usina del Arte y a la Facultad de Derecho, con programacion tambien absolutamente gratuita, turistas y estudiantes) se da cita para presenciar las actuaciones que integran esta programacion.

    Esta oportunidad sirvio (al menos en mi caso) para conocer en vivo al "Cuarteto de Amigos", conformado en el año 2015 por cuatro instrumentistas de gran valia: Haydee Seibert y Gustavo Mule en violines, Elizabeth Ridolfi en Viola y Myriam Santucci en Violonchelo. Conocidos todos ellos, dueños de extarordinario nivel y respetadisima trayectoria, los que se encuentran para hacer muy buena musica. La programacion era sumamente atractiva y la honraron en gran forma.

  El concierto abrio con una intetresante version del Cuarteto en Re mayor N° 2 del Op. 78 de Franz Joseph Haydn, llamado "de las Quintas", de una Epoca en la cual el compositor se hallaba en plena madurez y de alli que en esencia surja una obra rica en profundidad y plena en riqueza musical. Los interpretes lograron (fundamentalmente en los dos movimientos finales) una interpretacion plena de matices, con Seibert como sosten del discurso musical, apoyada por Mule y Ridolfi y Santucci como equilibrio de todos los sectores.

  Posteriormente se escucho el "Capriccio" para  cuarteto de cuerdas N° 3 en Mi menor, que lleva el Op. 81 de Felix Mendelsohn Bartholdy. Obra de especial intensidad, escrita en tres movimientos, con todos los canones del romanticismo, fue vertida por los interpretes de manera excepcional, siendo sin dudas el punto mas alto de la mañana.

  El cierre le cupo al Cuarteto para Cuerdas N° 1 en Do menor, Op. 51  de Johannes Brahms. Obra que posee los inconfundibles timbres y sonidos del genial Hamburgues, el que por esos tiempos llegaba a la plena madiurez artistica. La version fue muy interesante. Algun pequeño desacople no conspiro en modo alguno contra la version, la que crecio en intensidad durante la interpretacion hasta alcanzar el climax en el "Allegro" que cierra este trabajo. El balance final nos muestra a un conjunto en franco crecimiento, conformado por notables instrumentistas y que desarrollan un ambicioso repertorio.

Donato Decina

LA CONJUNCION PERFECTA

Mozarteum Argentino: Actuacion de la Kammerakademie Postdam, Director: Trevor Pinnock. Solista: Emmanuel Pahud (Flauta). Programa: Obras de Haydn, Mozart y Devienne. Teatro Colon, 14 de Junio de 2017.

NUESTRA OPINION: EXCELENTE.

 ¿Por cuantas razones este concierto quedara en la memoria auditiva de quienes tuvimos la inmensa fortuna de asistir?. Muchas. Comenzando por un conjunto con  equilibrio en su composicion. Parte instrumentos modernos y parte a la usanza de epoca, lo que garantiza un equilibrio de sonido y versiones de repertorio clasicista casi cercanas al sonido del tiempo de su composicion. Por el repertorio elegido, con dos sinfonias en ambas puntas de los padres fundadores del genero tal como hoy los conocemos en versiones sencillamente insuperables. Por la inclusion de dos obras para Flauta y Orquesta, una muy conocida y la otra de un compositor poco difundido pero que para poder realizarla se necesita a un verdadero virtuoso que la ponga en su verdadero valor. Y, fundamental, a un Director que sea un verdadero interprete, no a un preparador. Pues bien todos estos ingredientes se pudireron apreciar en su verdadera medida en el escenario del Colon, merced a los oficios del Mozarteum Argentino, el que una vez mas suma un hito a su impresionante cadena de realizaciones.

  ¿Que decir de la Kammerakademie Postdam?. Que es un conjunto de sonido homogeneo, muy bien equilibrado. Con excelentes instrumentistas. Que como buen conjunto de camara, con la sola excepcion de los violonchelos todos interpretan de pie.

 ¿Y Emmanuel Pahud?. Que por fin respondio entre Ntros. de acuerdo a sus antecedentes. Seguramente acicateado por Trevor Pinnock en la Direccion y por semejante conjunto acompañante, se floreo en la interpretacion con un 2° para Flauta y Orquesta de Mozart decididamente insuperable con refinado sonido, detalles de color y tecnica magistral, para luego introducirnos en la musica de Francois Devienne, compósitor frances de la misma epoca de Haydn y Mozart, con otra obra con interesantes aristas de las que Pahud saco provecho y de las que el conjunto aprovecho para mostrar su versatilidad interpretativa.

 ¿Trevor Pinnock se paso al modernismo?. De ninguna manera. Y el que diga lo contrario se equivoca de medio a medio. Tendra parte del grupo con instrumentos modernos, pero de ningun modo renuncio a sus convicciones. Sigue yendo hasta la medula. Le extrae todos los matices. Un "Canto" orquestal sencillamente descomunal, con detalles que le abren la cabeza a uno de igual modo que sus memorables versiones barrocas al frente de "The English Concert". A muy pocos Directores se los ha recibido al comenzar el concierto con los vitores con los que a El se lo recibio. E hizo honor al honor, si se me permite esta redundancia. Ni que hablar del entendimiento solista-conjunto-director. Explosivo. Electrizante. Una catedra magistral de interpretacion clasicista.

  Luego de la interpretacion de Devienne, Pahud se retiro del escenario, Pinnock permanecio ahi para comenzar a desgranar de inmediato la 29 de Mozart. Y a la ovacion con la que el publico recibio la version, nos sorprenden con el regreso de Pahud al escenario para saludar junto a los vientos del conjunto (como uno mas)  al publico con una reverencia con Pinnock al frente de todos. Y entonces decidieron extender la fiesta con una historica y exquisita version de la  "Danza de los Espiritus Bienaventurados" de "Orfeo y Euridice" de Gluck, con un  Pahud pleno de sutilezas y un Pinnock descomunal, sacandole al conjunto hasta el ultimo detalle.  Y asi redondeamos una noche inolvidable.

Donato Decina

 EVGUENI MIKHAILOV, UN GRAN SOLISTA

Teatro Colon: 9° Concierto de Abono de la Orquesta Filarmonica de Buenos Aires, Director: Enrique Arturo Diemecke. Solista: Evgueni Mikhailov (PIano). Programa: Serguei Rachmaninoff: Concierto poara Piano y Orquesta N°2 en Do menor, Op. 18 y Sinfonia N° 2 en Mi menor, Op. 27. Teatro Colon, 15 de Junio de 2017.

NUESTRA OPINION: MUY BUENO.

Un festival Rachmaninoff con los dos N°s. 2. El Concierto y la Sinfonia. Entre ambas, diferencias. ¿Cuales?. En el primero la presencia de Evgueni Mikhailov, un solista de toque formidable, que no es para nada edulcorado, que no recarga sus interpretaciones y que con un enfoque absolutamente "Viril" y para nada amanerado acometio este celebre concierto de manera energica y electrizante. Diemecke y la Filarmonica brindaron un sobresaliente acompañamiento. Preciso, pleno de "Canto" orquestal, el que ayudo a redondear una faena formidable, subrayada por el solista con una imponente transcripcion  para piano solo de "En la Gruta del Rey de la Montaña" de Peer Gynt de Edward Grieg.

  Y luego la 2°. Y aqui, como me ocurriera en el "Manfredo" de la semana anterior, llamativamente se descientde un escalon. No hay tanto canto. Los "tempi" son un poco mas lentos, lo cual es una decision del Dierector pero me pregunto: ¿son los mas recomendables?. Para mis convicciones no. ¿Cuales seran los motivos posibles?. ¿Influira la doble funcion Director de la Filarmonica-Director de Produccion?. Maxime cuando se piensa que en esta oportunidad fue el propio Diemecke el que ensayo aqui toda la semana. Lo cierto es que la version fue correcta (y que no quede duda alguna de ello), pero no con el nivel de excelencia al que nos tiene acostumbrados en este repertorio .Aun asi, la actuacion de un solista formidable hizo que la noche tuviese un altisimo nivel.

Donato Decina

PARA FORMAR NUEVOS PUBLICOS

"Usina del Arte": Actividad realizada en Co-Produccion con el Teatro Colon. Actuacion de la Orquesta Estable del Teatro Colon, Director: Rodolfo Fischer. Programa: Obras de Dvorak y Brahms. 16 de Junio de 2017.

  NUESTRA OPINION: BUENO.

  La muy loable labor que a "Usina del Arte" y el Teatro Colon desarrollan con Conciertos como el presente de la Orquesta Estable, sirven para, fundamentalmente, acercar al publico neofito a la musica clasica, objetivo en gran parte cumplido, con gente que indudablemente se acerca proveniente de los barrios, bastante juventud y, por supuesto, algun turista que desprevenido o no, termina incorporandose a la concurrencia, la que fue numerosa y que deberia haber recibido alguna instruccion o algun anuncio de voz en off, sobre como comportarse en el Concierto, cuando se aplaude y algun comentario de las obras a escuchar. El programa incluyo, obras de Brahms y Dvorak, contemporaneos, a veces antagonistas (es celebre la circunstancia del encargo Londinense a Dvorak de la Sinfonia N° 7 para "contrarrestar" el peso y el triunfo de la Cuarta de Brahms). Autores ambos de celebres Danzas (Las Hungaras en el Hamburgues y las Eslavas que ahora comentaremos en el Bohemio). Entonces, equilibrio de programacion y obras celebres para ganar nuevo publico. Muy buena decision.

  Vayamos entonces al resultado. De Dvorak se interpretaron las tres "Danzas Eslavas" mas celebres. La "Chispeante" N° 1, del Op. 46, la "Melancolica" N° 2, del Op. 72 y la "Electrizante" (Y mas celebre) N° 8, del Op. 46. Fischer no pudo ajustar al conjunto con la acustica de la sala. La persistencia de un timbal en "Forte" casi permanente y la estridencia del bronce por sobre las cuerdas y maderas, que hacian casi inaudibles los pasajes fundamentales de las composiciones, coadyuvaron para que los nuevos asistentes aplaudieran con ganas (incluso entre una y otra danza), pero que para el entendido sean una version mas de cada una de ellas. Sumado  a ello, la preocupacion del Director por la precision de las entradas mas que por interpretar, dio por resultado un discreto trabajo.

  Y de Brahms se escucho la Tercera Sinfonia, la mas introspectiva y, para Mi, las mas gloriosa. Plena de lirismo, de canto, de rebeldia, de melancolia. Y aqui los dos movimientos iniciales y parte del tercero expuestos a trazo demasiado grueso, falto de detalles, con un comienzo del ultimo de ellos salvado en parte por la sabia guia de Stamir Todorov que movio a su hilera de Violonchelos de tal forma que le dio en parte el "canto" orquuestal que hasta ese momento escaseaba a todas luces. Solo a partir de la ultima entrada del celebre tema de este fragmento comenzo a crecer la interpretacion, con un ultimo movimiento donde por fin emergieron, la rebeldia, el lirismo, la energia y el magnifico final, pleno de delicadeza y encanto.

  El balance dejo  el entusiasmo de los neofitos y, en parte, el gusto salvado para parte del publico habitual.

Donato Decina

CAPACIDAD, CREATIVIDAD, INTELIGENCIA = CALIDAD

Teatro Colon: Temporada 2017: "Giulio Cesare in Egitto": Opera en 3 actos con Musica de Georg Friederich Haendel, Libreto de Nicola Francesco Haym (basado en un libreto original de Giacomo Bussani). Interpretes: Giulio Cesare: Franco Fagioli, Cleopatra: Amanda Mejeski, Sesto: Jake Arditti, Cornelia: Adriana Mastrangelo, Ptolomeo: Flavio Oliver, Achilla: Hernan Iturralde, Nireno: Martin Oro, Curio: Mariano Gladic. Escenogrfafia e Iluminacion: Enrique Bordolini, Vestuario: Sofia di Nunzio, Coreografias: Carlos Trunsky. Orquesta Estable del Teatro Colon: Director: Martin Haselbock. Regie: Pablo Maritano. 09 de Junio de 2017.

NUESTRA OPINION: EXCELENTE

  Al anunciarse la presente temporada y ver en los papeles la propuesta y los nombres que la integraban, no tuve duda alguna que seria uno de los "platos fuertes" de la misma.  No me equivoque. Despues de haber visto y escuchado la funcion de anoche de "Giulio Cesare In Egitto" de Haendel en el Colon, llego a la conclusion que estamos en presencia de un espectaculo de jerarquia internacional, hecho con creatividad, inteligencia y capacidad, el que perfectamente puede competir  de igual a igual con cualquiera de las producciones modernas que hoy por hoy se ofrecen en el mundo entero. Para llegar a ese resultado, no basto con convocar a magnificas voces totalmente consustanciadas hoy con el repertorio barroco que frecuentan los primeros escenarios mundiales y a extraordinarios profesionales de Ntro. medio con los que se complemento la grilla de actuacion y a un extraordinario y probado conductor de jerarquia internacional para la concertacion, sino que la convocatoria para la puesta en escena de uno de los dos mas talentosos creadores Argentinos, Pablo Maritano resulto la vuelta de tuerca necesaria para que el circulo cierre a la perfeccion. Y cerro.

  Opiniones la hay. Algunas fundadas. Otras polemicas y otras, decididamente recalcitrantes. Para estas ultimas, seria conveniente que se introduzcan en un  frasco ya sea de formol o naftalina y por respeto a los demas, recomendarles que permanezcan en sus domicilios escuchando grabaciones o mirando viejos "tapes", pero que de ninguna manera concurran. Se llega a la lamentable conclusion que oponerse por oposicion misma a una actualizacion  de la puesta escenica termina por atrofiar al lector, oyente o espectador, cuando lo real es ayudar, debatir y pensar. Escribo esto porque me resulta penoso que con argumentos sin debida fundamentacion se denosta un trabajo que, para empezar, revelo una concienzuda lectura de la obra. Lo traslado a la epoca actual, mostrando la alegroria del poder que siempre existio con el pensamiento de Ntros. dias. No esta demas recordar que en la epoca del estreno (dicho esto por los mas grandes estudiosos del genero), las puestas se hacian con puestas "actuales", es decir de la epoca del estreno Y NO HISTORICAS. El fondo de la obra siempre estuvo presente, la escenografia de Enrique Bordolini fue funcional a lo que se quiso representar, austera y practica. La iluminacion del mismo Bordolini tuvo la oscuridad que tiene la trama, reforzando el clima de intriga, conspiracion y guerra, solo se vuelve luminosa al final cuando al triunfo de las armas se le agrega la consumacion del amor. Otro tanto puede decirse del vestuario de Sofia di Nunzio, vistoso, atractivo, a tono con cada uno de los personajes de la trama. El movimiento escenico trazado por Maritano y la marcacion actoral fueron excelentes. La natural predisposicion de todos los integrantes del elenco y las condiciones de todos ellos ayudaron a que la empresa llegue a buen puerto. Considero que la cargazon de algunas escenas en cuanto a erotismo, violencia (fisica y de genero), van en directa proporcion con la realidad historica. Sabemos de las tramas ya sean romanas o egipcias en las luchas por el poder, las apetencias y ansias personales de los protagonistas y que contextos en que se desenvuelven historias como las de Julio Cesar y Cleopatra, llevan a todo tipo de situaciones. Todo estuvo a la vista de todos Ntros. en el escenario. Hubo coreografias que a mi entender ayudaron a graficar gran parte de esas situaciones, una vez mas inteligentemente planteadas por Carlos Trunsky. Entonces hay un importante trabajo de equipo que lleva a que el resultado final sea la excelencia, y para ese equipo visual, hubo otro, el musical del que podemos decir esto y tanto mas, comenzando por la imponente concertacion de Martin Haselbock, un especisalista del genero, que extrajo del la Estable (reforzada por algunos instrumentos a la usanza de epoca como las tiorbas , las flautas dulces y el clave, puestos en manos de grandes especialistas Argentinos) un sonido estupendo. Tuvo matices, canto, "tempi" agil, dinamica, con una interpretacion que no decayo en ningun momento, superando con creces su version de concierto de "Rinaldo" de años anteriores y lo mejor que puedo expresar es que la funcion transcurrio en un verdadero abrir y cerrar de ojos, porque siempre se mantuvo la atencion del publico. Fue un barroco actual, sin recargas, con revisionismo mas alla que la base orquestal ha sido la moderna y que el Colon para este repertorio deberia echarle el ojo a convocar como grupo soporte a los muy buenos instrumentistas cultores del genero que hay en la Argentina.

  Dieron gusto escuchar a todos los interpretes vocales. Vayamos de abajo hacia arriba en la importancia de los roles. Mariano Gladic compuso a "Curio" (lugarteniente de Giulio Cesare") con solvencia. Simpatico desempeño tuvo Martin Oro como "Nireno", asistente de Cleopatra y Ptolomeo. Una vez mas la versatilidad de Hernan Iturralde, ahora en Genero Barroco, para un "Achlla" (lugarteniente de Ptolomeo) de muy noble factura. Adriana Mastrangelo aporto voz exquisita, presencia escenica y excelente actuacion para Cornelia (Viuda de Pompeyo). Jake Arditti es un impresionante contratenor que hizo gala de todos sus recursos para componer a "Sesto" (Hijo de Pompeyo y Cornelia). Amanda Majeski fue "Cleopatra", con todos los ingredientes que el personaje necesita. Seduccion, voz cautivante que vira al drama para alcanzar un "Se Pieta" con la que inteligentemente se decidio culminar la segunda parte y que arranco una extarodinaria y caldeada ovacion. ¿Que decir de Ntro. Franco Fagioli?. Que ha registrado una incerible evolucion vocal. Graves acerados. Agudos increibles. Ornamentacion impecable. Por algo ocupa el lugar que hoy tiene reservado en circuitos de primer nivel. Fue Giulio Cesare en toda su dimension.

  Como se ve, cuatro contratenores de extraordinario nivel. Una formidable soprano y extraordinarios valores de Ntro. medio, unidos a un extarordinario concertador y a un equipo de produccion de lo mejor que hay entre Ntros. y que en modo alguno desentono con el resto. Solo el Colon lo podia hacer. Y lo Hizo.

Donato Decina

UN VIRTUOSO EN EL PUNTO MAS ALTO

Orquesta Filarmonica de Buenos Aires, Director: Enrique Arturo Diemecke. Solista: Radek Baborak (Corno). Programa: Reinhold Gliere: Concierto para Corno y Orquesta en Si bemol, Op. 91. Piotr Illich Tchaickovsky: "Manfredo" en Si menor, Op. 58. Teatro Colon, 08 de Junio de 2017.

  Una magnifica circunstancia fue escuchar al cornista Checo (y no "Chequio", segun el programa de mano) Radek Baborak, acometiendo el Concierto Op. 91 de Gliere junto a la Filarmonica en el Colon. Dueño de un maravilloso sonido, tecnica impecable, le extrae todas las posibilidades a su instrumento y las eleva al maximo posible. En una obra muy dificil, dedicada a  Valeri Polej (otro virtuoso), Baborak se paseo por toda la gama de sonidos que la partitura posee, acometiendo todas las dificultades, filigranas y sutilezas con absoluta seguridad y floreandose en la dificil cadencia que Polej hizo libremente con autorizacion del autor, cosa que Baborek respeto. Se sabe por su curriculum que su impresionante foja de servicios lo tiene como interprete independiente, lo que para un musico de cuarenta y un años de edad significa libertad absoluta y suficiencia, que las tiene.  Con veinte años fue solista de su instrumento en la Filarmonica de Munich. Luego en la Bamberg por dos años. Profesor invitado por la Fundacion Toscanini (sucediendo a otro gigante como Hermann Baumann, a quien tambien tuve la fortuna de escuchar y puedo garantizar que ambos cornistas estan en ese impresionante nivel) , para llegar al pinaculo que todo solista de Orquesta tiene: por nueve años la Filarmonica de Berlin (2002 a 2011, años de final de Abbado y gran parte del vinculo de Sir Simon Rattle con el conjunto Aleman). Premios recibidos, los que se nos ocurra: Davidoff, Mostly Classic, Primavera de Praga, UNESCO. Hace sobrado honor a todos estos increibles antecedentes. La obra abordada es de 1950, con lo que para la Rusia Stalinista de la Epoca significaba. Una obra de romanticismo tardio, sin romper los moldes impuestos. Es claro que quienes se quedaban, aceptaban las reglas de juego.   Y dentro de eso, con todos los detalles que mencione lineas mas arriba, Baborak hizo la version perfecta, secundado por un Diemecke (al fin y al cabo cornista El tambien, por eso supo desde el vamos de que se trata y programarlo) inspiradisimo que hizo "cantar" a la Filarmonica y darle el "ropaje" y acompañamiento perfectos. Fue una version sencillamente "memorable" (parafraseando a Ntro. acompañante y amigo German Bao Babio). Y como es un grande, la humildad siempre esta presente y junto a los cuatro cornistas de la noche, capitaneados por Fernando Chiappero (responsable tambien del arreglo) y presentados por Diemecke, realizaron una maravillosa version de "Adios Nonino" de Piazzolla. Cuanto me hizo recordar al mismo gesto de humildad de Yo-Yo-Ma y su recordadisimo Bis a duo con Carlos Nozzi.

  La segunda parte era muy esperada por Mi. "Manfredo" era una deuda pendiente que Diemecke tenia con la Filarmonica, mas aun luego de la integral de Sinfonias de Tchaickovsky del año pasado. Para ser sincero, siento que quedo en deuda con el publico, ya que fue una version correcta, pero carecio  de mayor fuerza interpretativa (raro en Diemecke), algunos "Accelerandi" en pasajes decisivos que "lavaron" mas la version y una llamativa imprecision de sectores como la cuerda en algunos "pianissimi" con notorio desajuste y alguno llamativamente sorprendente como en el final del segundo movimiento. Al igual que en la version del "Gran Cañon del Colorado" de hace dos años atras, hasta la percusion estuvo llamativamente contenida. Ojala que en algun tiempo mas (siempre suele reprogramarse), podamos apreciar algo diferente.

Donato Decina

LA NOCHE DE LOS (BUENOS) ARREGLOS

"Nuova Harmonia 2017": Actuacion del sector cuerdas de la Orchestra Regio Torino, Solista y Director: Serguey Galaktionov (Violin). Programa: Max Richter: Arreglo sobre "Las Cuatro Estaciones" de Antonio Vivaldi. Piotr Illich Tchaickovsky: Arreglo para Grupo de Cuerdas del Sexteto en Re menor, Op.  70 "Souvenir de Florence". Teatro Coliseo, 06 de Junio de 2017.

  Hablar de la Orchestra Regio Torino es hablar de un grupo que representa a uno de los organismos de mas rica historia de Italia. Recordando detalles y respuestas que Elisabetta Riva (Directora del Teatro Coliseo y Directora Artistica de "Nuova Harmonia") nos brindara en ocasion de su estupenda visita al estudio de "On Radio" (desde donde hacemos "De Paraiso para Usted") el 20 de Mayo pasado, nos comento entre otras cosas que aun falta algun tiempo mas para que vengan para actuar en "Nuova Harmonia" conjuntos Italianos de mucha envergadura, pero que mientras tanto grupos que forman parte de organismos mayores son los que van a estar presentandose entre Ntros. y entre otros menciono a este conjunto integrante de los sectores de cuerda de la Orquesta Regio Torino. Una agrupacion  integrante de un Teatro del que no esta de mas recordar que en su trayectoria le cupo los estrenos mundiales de dos verdaderos "Capolavoros" de Giacomo Puccini: "Manon Lescaut" (Su primer gran triunfo) y "La Boheme" (aclamada en todo el Planeta y las mas actuada de sus obras ), y en el caso de esta ultima con  el agregado de Arturo Toscanini (por esos tiempos su Director Musical) en el foso a cargo de la concertacion. Por estos tiempos, una de las mas interesantes batutas de la Italia actual, Gianandrea Noseda, ocupa el rol de Director Musical y los principales  instrumentistas de cuerda de la Orquesta conforman esta verdera "Embajada Musical", con Serguey Galaktionov como Solista de Violin y a cargo de la Direccion de los conciertos y 22 profesores de gran envergadura, en donde el solista y seis de ellos lo hacen con instrumentos de comienzos del siglo dieciocho facilitados por la "Fondazione Pro Canale" de Milan construidos por reconicidisimos e historicos "Luthieres", lo que hace que ya desde el vamos el sonido del conjunto sea verdaderamente imponente.

  Otra de las cosas que hicieron interesante el concurrir al Concierto se trato de que la programacion estuvo basada en su totalidad (hasta en los bises), en arreglos de obras famosas. Por empezar el Solista-Director y el conjunto fueron convocados por el sello discografico "Deutsche Gramophon" para grabar en 2012 un arreglo que Max Richter realizo de "Las Cuatro Estaciones" de Antonio Vivaldi, en el marco de un proyecto de la grabadora de convocar a musicos actuales para que efectuen arreglos de trabajos de famosos compositores.

  Este arreglo fue el que abrio la velada. Un concepto que el compositor expresa en sus notas al arreglo es que se propuso suprimir el comienzo del primer movimiento  de "La Primavera" (Primero de los cuatro conciertos, uno por cada estacion), ya que es el mas conocido, pero en su concepto el mas bastardeado ya que se lo escucha hasta en los conmutadores telefonicos. De ahi que el arreglo parta desde el tema del ingreso del Violin solista. La tonica general del trabajo es tomar los temas principales de cada movimiento de los cuatro conciertos, a veces mas compases, a veces menos, para hacer una verdadera metamorfosis de cada uno de ellos. Gran parte es de tinte minimalista, otros tienen una orquestacion y un tratamiento que al escuchar el sonido se lo percibe como una obra electroacustica. No sorprendio la inclusion de un clave como si en cambio la inclusion de un arpa. Galaktionov y tambien Stefano Vagnarelli (guia de primeros violines) y Amedeo Cicchese (Primer Violonchelo), realizaron un trabajo imponente.  El solista tiene un sonido muy rico, cuenta con matices formidables, tecnica impecable. Y los dos instrumentistas tienen sobrado oficio el primero, donde se complemento en forma estupenda como segundo solista con Galaktionov y el segundo es un violonchelista formidable de muy exquisito sonido, tecnica pulcra y plena expresividad. El publico acepto de manera mayoritaria este trabajo, muy interesante en su planteo, y no esta demas el recalcar que aqui si esta hecho para orquesta actual y por ende es correcto plantear a Vivaldi de este modo. De todas formas el intervalo marco tambien los interesantes aportes de quienes manifestaron el disenso por la inclusion de este trabajo, que es absolutamente valedero y que enriquecio el debate y el intercambio de ideas como hacia mucho tiempo no se veia o escuchaba.

  La segunda parte, mostro al conjunto (con Galaktionov empuñando la batuta) en una interesante version (en arreglo del que no se especifico la autoria) de "Souvenir de Florence" de Tchaikovsky. Galaktionov dirige con todo su cuerpo, expresa como pocos, logra del conjunto un "canto" magnifico. La energia que trasunta el primer movimiento, el lirismo que vierte el segundo,  la expresividad del tercero y el brio del cierre fluyeron con la mas absoluta naturalidad con sonido corporeo, homogeneo, con cuerdas de maravillosa tersura y el toque morbido "alla Europea" que tanto se disfruta. Fue una verdadera joya.

    El fervor del publico sorprendio al solista y al conjunto. Acostumbrados ellos a comenzar en horario del atardecer los conciertos, no podian entender como habiendo comenzado entrada la noche, pidieran bises. Los hubo y como no podia ser de otra manera, fueron arreglos como en toda la noche. El primero, un arreglo de Shostakovich de una Romanza de Vivaldi. El segundo, sometido a votacion por Galaktionov en un correcto castellano, fue un arreglo para violin solista y conjunto de cuerdas de "Oblivion" de Piazzolla (tampoco especificada la autoria), el que le gano abrumadoramente a otro Vivaldi y que fue objeto de una version muy sentida, a "Tempi" muy correcto y que marco la despedida muy ovacionada de un conjunto que termino ganando el fervor del publico.

Donato Decina

UNA PROPUESTA DIFERENTE

Buenos Aires Lirica, Temporada 2017. Doble programa Sinfonico-Vocal-Coral con Actuacion: Ludwig Van Beethoven: Musica para la Tragedia "Egmont" de Johann Wolfang Von Goethe, Traduccion al Castellano de los textos narrados: Mercedes Marmorek. Felix Mendelsohn Bartholdy: Musica Incidental para la Comedia de William Shakespeare "Sueño de una Noche de Verano". Traduccion de los textos actuados de la version alemana de Frederich Schlegel y Ludwig Tieck (sobre el original en Ingles): Alfredo Martin. Interpretes: Daniela Tabernig (Clara/Elfo I), Laura Sangiorgio (Elfo II). Narradores: James Murray-Alexia Moyano. Coro de Mujeres de Buenos Aires Lirica, Director: Juan Casasbellas. Orquesta de Buenos Aires Lirica: Director: Pedro Pablo Prudencio. Diseño de Escenografia e Iluminacion: Hector Calmet. Puesta en Espacio: Alfredo Martin. Funcion del 04 de Junio de 2017, Teatro Avenida.

NUESTRA OPINION: EXCELENTE

  Al culminar este brillante espectaculo, el comentario que mas escuche es si correspondia integrar este doble programa a un abono de opera. Comence a reflexionar para mis adentros y llegue a la conclusion de que es una propuesta absolutamente valida. En primer lugar, son dos obras teatrales surgidas de la pluma de dos gigantes de las letras:  Goethe y Shakespeare. Para crear la musica incidental de las obras en el primer caso se recurrio directamente a Beethoven, quien admiraba profundamente a Goethe a tal nivel que rehuso por completo el cobro de honorarios y le obsequio una partitura del trabajo autografiada por El. La musica ayuda a la narracion, involucrandose en Ella y las tensiones van "In Crescendo". La voz cantada interviene para subrayar el retrato de Clarchen, novia del protagonista, el que solo aparece en las menciones del Narrador, quien en una actuacion final pone en su voz las ultimas palabras del Conde Egmont antes de ser ajusticiado. En cuanto a "Sueño....", es mas amplia la comedia, no es de ninguna manera un "Sprechtsang".  Las voces que se escuchan nuevamente en este caso ayudan a la actuacion y a la narracion de la accion en la Grecia de Tiempos de Oberon. Estamos en presencia de Teatro con musica, tal como se hacia en el siglo XIX. Y la musica mantuvo tanta vigencia como los originales del Teatro de Prosa. Ambas trascendieron.  Aunque la pagina mas celebre del "Egmont" Beethoveniano es la Obertura (de presencia obligada al menos una vez al año en los programas de concierto de las mejores orquestas sinfonicas), la version completa se ofrecio en el Colon en el abono 1999 de la Filarmonica, merced a los oficios del inolvidable Franz Paul Decker .  Y aunque "Sueño de una Noche de Verano" tenga mayor fortuna que la primera, porque sus numeros principales fueron agrupados en una "Suite", (segun memoriosos mayores que Yo) no se hace de esta forma desde hace al menos cuarenta años (Y es probable que sean algunos mas), cuando se la escucho de la mano de otro inolvidable: Peter Maag. Las traducciones (y entiendo que tambien las adaptaciones) de los textos se deben a Mercedes Marmorek en la primera y a Alfredo Martin, responsable de una interesante puesta en el espacio del Escenario del Avenida la segunda: Conto en ambas con un efectivo y austero marco escenico diseñado por ese extraordinario hombre de teatro (de prosa y lirico) que es Hector Calmet, el que tambien}le complemento una muy intreresante iluminacion. La marcacion y la narracion en ambas historias fue muy adecuada y conto  con dos extraordinarios profesionales: James Murray, con solida presencia actoral y enfasis en la declamacion. De sus labios se escucharon perfectamente las hazañas y desventuras del Conde Egmont, heroe Belga quien fue la punta de lanza de su pueblo en las luchas por lograr la Independencia de la España de Felipe II (es curioso como se cruza en este punto esta historia con la  de "De Materie" de Loris Andrissen que abrio la Temporada del Colon y de "Colon Contemporaneo", la que en este caso correspondio a la lucha de Holanda en pos del mismo objetivo y tambien, por que no, con "Don Carlo" de Verdi, y , como Egmont, la lucha de Posa tambien por "Flandes",  en este caso la pluma original es de otro gigante: Friederich Schiller). Sumese a ello la triste historia de Clarchen la amada del heroe de la que tambien se escucho impecablemente su tragica historia en los labios del actor y en la estupenda voz de Daniela Tabernig con canto verdaderamente inmaculado en las dos ocasiones en las que intervino.  En cuanto a "Sueño.....", Es mucho mas compleja su partitura, juegan mas voces con los interpretes de prosa y aqui una vez mas Tabernig en dos fragmentos de lucimiento, reforzada en el primero de ellos por una muy buena intervencion de Laura Sangiorgio con voz fresca de timbre muy agradable y una soberbia intervencion en dos ocasiones del Coro femenino de Buenos Aires Lirica, al que se lo escucho verdaderamente celestial gracias a la magnifica preparacion de Juan Casasbellas. Y aqui la segunda profesional: Alexia Moyano formidable actriz y narradora, quien fue el hilo conductor de la historia con picardia, frescura y soltura escenica, magnificamente secundada por Murray, el que la complemento en forma verdaeramente estupenda.

  Todo ello se completo con una extraordinaria preparacion y concertacion del conductor chileno Pedro Pablo Prudencio, quien al frente de una agrupacion conformada por elementos de las cuatro mejores Orquestas Sinfonicas de la Argentina (Filarmonica de Buenos Aires, Estable del Teatro Colon, Sinfonica Nacional y Estable del Teatro Argentino de La Plata) llevo la interpretacion a un nivel superlativo con empaste, canto orquestal, fuerza e intensidad en "Egmont" y lirismo de alto vuelo en "Sueño...".

  Buenos Aires Lirica ha hecho un formidable aporte al medio musical Argentino, rescatando de manera integral las versiones con musica de dos obras gigantescas de la literatura universal, lograndolo con medios muy nobles y resultado superlativo. Aprovechen ahora para ver este espectaculo (8 y 10 de Junio). No sabemos cuantos años pasaran para volver a escucharlas asi.

Donato Decina