ARGENTINA TIENE A SUS MEJORES EMBAJADORES

 

Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional “Libertador General San Martín”, temporada 2024. Concierto, Director: Pablo Boggiano. Solista: Natasha Binder (Piano).Programa: Obras de Rachmaninoff, Brahms, Benzecry, Piazzolla y Sinesi. Auditorio Nacional del CCK, 08 de Agosto de 2024.

 

NUESTRA OPINION: EXCELENTE.

 

  Llegó el momento, la partida a Japón está próxima y la Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional “Libertador General San Martín” se apresta a abordar las conexiones aéreas que la llevarán a Japón, acaso el mayor emprendimiento que un organismo musical argentino lleve adelante en los últimos 25 años. Este concierto que marcó la previa de la gira al gran imperio, sirvió para mostrar ante su público el grado de preparación obtenido para afrontar el compromiso. Analizaré entonces todo lo escuchado.

 

  El Maestro Pablo Boggiano condujo la velada que estuvo compuesta por el que será el programa principal de esta gira y como aditamento se suma el hecho de la reaparición ante el público argentino de Natasha Binder, la apreciada integrante más joven del “Clan De Raco” que integró su bisabuelo Antonio y que ahora continúan su hija Lyl, sus nietos Karin Lechner y Sergio Tiempo y que por ahora concluye en su bisnieta Natasha. La joven, por propia decisión, estuvo apartada del ambiente musical por unos años para centrarse en una carrera universitaria que cursó en Canadá. Reapareció la necesidad de la música y decidió que era el tiempo justo para el retorno. Sumada a esta estupenda “Embajada Musical”, su aporte será la interpretación solista del Concierto para Piano y Orquesta Nº 2 de Serguei Rachmaninoff. Obra capital dentro de la combinación Piano y Orquesta, cuenta con dificultades a superar por el solista, así como es un desafío al director su concertación. En este último aspecto, la labor de Pablo Boggiano fue formidable comenzando por la sonoridad homogénea que obtuvo del conjunto juvenil, algo que venía ocurriendo de modo creciente en los últimos tiempos pero que alcanzó la mayor exposición a lo largo del programa. Valga también el debido reconocimiento a los solistas de instrumentos que intervienen a lo largo de la obra y de modo muy especial al clarinete solista, cuyo solo del segundo movimiento  fue magnífico al igual que su entendimiento con la solista. En el caso de esta última, debo reconocerle a Natasha Binder el hecho de haber ofrecido una versión sumamente personal pero correcta en el estilo, los tiempos que empleó, su buena técnica y todo los que emanó desde sus manos sobre el teclado. Hubo ida y vuelta con Boggiano de manera permanente y eso se puso de manifiesto todo el tiempo. Llamó mi atención el hecho de que a pesar de la muy sostenida ovación que recibió del público Binder saludó en un par de ocasiones pero declinó efectuar algún bis.

 

  Tras esta parte inicial y rearmado el dispositivo orquestal en el escenario. Los jóvenes bajo la firme guía de Boggiano desplegaron una muy interesante versión de la “Obertura para un Festival Académico” de Johannes Brahms, plasmando en la versión todo el “colorido” orquestal que la página contiene, para luego acometer con “Inti Raymi” de Esteban Benzecry , acaso la obra mejor expuesta a lo largo del Concierto. Esta obra, que evoca “La Fiesta del Sol” que los Incas celebraban, posee una frondosa orquestación, instantes magníficos de ataque y gran exposición orquestal, tanto como momentos de mayor introspección en donde se requieren sutilezas y Pablo Boggiano las tuvo y las supo transmitir. Fue una versión plena que contuvo todos los ingredientes que hacían falta para que éste trabajo fuese de excelencia.

 

  Ya en la parte final, los jóvenes presentaron un tango y dos milongas en arreglo sinfónico para un género (el ciudadano) que goza de tanto prestigio en Japón. Fueron: “Michelángelo 70” y “Milonga del Angel” de Astor Piazzolla en donde Boggiano logró que la Orquesta se mimetizara con el ritmo “Piazzoleano” y cerrar con “Milonga para Hermeto” de Quique Sinesi seguramente inspirada en la figura del gran Hermeto Pascoal, el notable maestro brasileño. Aquí se vivió un momento de maravillosa efervescencia ya que además del “repiquetear” de los pies de los músicos durante la interpretación, se sumaron algunos movimientos de los propios instrumentistas tal como lo hacen los jóvenes de la Orquesta Simón Bolivar de Venezuela. El público ovacionó al Conjunto y al Director, quienes de inmediato acometieron con el “Bis”: “Libertango” de Piazzolla en una versión formidable que además de incluir los referidos movimientos de los jóvenes trajo en el final que los últimos compases los interpretaran de pié, saludando al público junto a Boggiano y que algunos de los instrumentistas alzaran banderas argentinas, desatando una verdadera “caldera” en el público que ovacionó de pié a esta magnífica “Embajada Cultural”. Gracias enormes a Binder, Benzecry y Boggiano. A los jóvenes simplemente les digo que persistan en todo con la humildad en que hoy lo hacen. No solo Japón, sino el mundo entero será de Uds.

 

Donato Decina

 

Uno de los momentos culminntes del programa que la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia ofreciera el pasado Jueves 08 de Agosto en el Teatro Colón: el Concierto para tres pianos y Orquesta de Mozart. Créditos: Prensa del Teatro Colón, fotografía del Mtro. Arnaldo Colombaroli

Muy buena actuación de la Orquesta Sinfónica de Colombia en el Colón

YERUHAM VOLVIÓ A ESTAR FELIZ Y CON MUCHO CHÉVERE

Martha CORA ELISEHT

El término chévere es muy utilizado comúnmente en países latinoamericanos

tales como Venezuela, Colombia y Ecuador y significa algo así como “fantástico” u

“óptimo”. Precisamente, así sonó el concierto ofrecido por la Orquesta Sinfónica

Nacional de Colombia en el Teatro Colón, hecho que tuvo lugar el pasado jueves 8 del

corriente bajo la dirección musical de Yeruham Scharovsky y con la participación del

Ensamble Multipiano, integrado por Berenika Glixman, Tomer Lev y Nimrod Meiry-

Haftel para brindar el siguiente programa:

- Obertura Mestiza- Victoriano VALENCIA RINCÓN (1970)

- Concierto para tres pianos y orquesta en Fa mayor, K.242 “Lodron”- Wolfgang

A. MOZART (1756-1791)

- Scheherezade, Op.35- Nikolai RIMSKY- KORSAKOV (1844-1908)

Fundada en 1936, el mencionado organismo sinfónico ha ganado el Premio Latin

Grammy en 2 oportunidades (2014 y 2023). Realiza 5 series de conciertos en Bogotá y

otras ciudades. Ofrece entre 70 a 80 conciertos anuales y colabora con artistas

colombianos e internacionales. Asimismo, también realiza producciones de ópera y

ballet. El argentino- israelí Yeruham Scharovsky es su director titular desde 2023 y su

presentación en el Colón forma parte de una gira latinoamericana que abarca

presentaciones en el Teatro del Bicentenario (San Juan) y en San Pablo (Brasil).

Desde la tradicional afinación de instrumentos a cargo del concertino Leónidas

Cáceres Carreño pudo apreciarse una orquesta muy bien afinada y afiatada. Con un

orgánico prácticamente completo, el organismo sinfónico hizo su presentación con la

Obertura Mestiza de Valencia Rincón, obra que fusiona ritmos folklóricos locales

(pajarillo, danzón, soca, bambuco) con melodías de influencia europea -que remeda

ligeramente a Vaughan Williams-. Es uno de los compositores latinoamericanos más

reconocidos en el mundo por el tratamiento del lenguaje sinfónico para bandas y su obra

goza de inmensa popularidad. La orquesta brindó una versión muy precisa de esta obra,

que posee una muy buena línea melódica, donde los instrumentos de percusión (güiro,

maracas y tambor) remedan los sonidos de la selva, mientras que las cuerdas muestran

la influencia europea.

Dentro de la abundante y variada producción mozartiana para el repertorio

pianístico, el Concierto para tres pianos en Fa mayor, K.242 se representa en muy

escasas ocasiones. Fue compuesto en 1776 y recibe el sobrenombre de “Lodron” en

memoria de las hijas de la condesa Antonia Lodron (Aloysia y Giuseppa), ya que fueron

las destinatarias de su primera interpretación junto al compositor. Consta de tres

movimientos (Allegro, 4/4/ Adagio en Si mayor, 4/4/ Rondó: tempo di minuetto, 4/4),

que fueron interpretados en el movimiento inicial por los tres pianos al unísono.

Posteriormente y, a medida que avanza la obra, el piano central sostiene la melodía,

mientras que los otros dos ejecutan variaciones sobre el tema principal. Ha sido muy

interesante observar que Tomer Lev -quien se desempeña como docente y pedagogo de

la Escuela de Música Buchmann- Mehta en la Universidad de Tel Aviv y, a su vez, es

maestro de Berenika Glixman y Nimrod Meiry- Haftel en dicha academia- dirigía a sus

discípulos en forma paralela, así como Yeruham Scharovsky hacía lo mismo con la

orquesta. Si bien los tres pianistas tuvieron un desempeño muy preciso y parejo, una

pudo apreciar la superioridad de Berenika Glixman desde todo punto de vista:

excelentes pulsación y digitación, precisión en las entradas y perfecta ejecución de

trinos, arpegios y tresillos. Por su parte, Nimrod Meiry- Haftel se destacó por su calidad

interpretativa en el 3° movimiento, con una excelente ejecución de trinos y cadencias.

La orquesta supo acompañarlos perfectamente y hubo numerosos aplausos y vítores tras

su interpretación, lo que motivó al Ensamble Multipiano a realizar un bis: Vals a seis

manos de Rachmaninov, que sonó romántico y preciso. Tras los aplausos, los pianistas

se retiraron sumamente satisfechos y agradecidos.

Como obra de fondo y, con un orgánico prácticamente completo, la orquesta

brindó una versión muy buena de la celebérrima Scheherezade, Op.35 de Rimsky-

Korsakov, donde Scharovsky tuvo una muy buena marcación en las entradas y un

manejo de los tempi que, si bien fue correcto, sonó algo ralenteado por momentos en

los 4 movimientos que integran esta famosa suite (El Mar y el viaje de Simbad: Largo e

maestoso-Allegro non troppo en Mi mayor/ La historia del Príncipe Kalendar: Lento-

andantino- Allegro molto- con moto en Si menor/ El joven príncipe y la joven princesa:

Andantino quasi allegretto- Pochissimo piú mosso- Come prima- Pochissimo piú

animato en Sol mayor/ Festival en Bagdad. El mar. El barco se estrella contra un

acantilado coronado por un guerrero de bronce: Allegro molto- vivo- Allegro non

troppo maestoso en Mi mayor). Quizás, una esté habituada a escucharla con un tempo

algo más rápido en el 3° movimiento. Más allá de esto y alguna que otra nota fallida, la

agrupación cuenta con muy buenos solistas instrumentales -gran actuación del ya

mencionado concertino y de la arpista Melva Bibiana Ordóñez Velandia- y el público

aplaudió fervientemente al final de la obra. Esto motivó a Yeruham Scharovky a tomar

un micrófono para manifestar su agradecimiento al Director General y Artístico del

Colón -Jorge Telerman- y al público. Se encontraba inmensamente feliz no sólo por

estar nuevamente en el país que lo vio nacer, sino también por el éxito obtenido. Por lo

tanto, decidió hacer dos bises de cumbia sinfónica: Colombia, tierra querida de Lucho

Bermúdez -en arreglo de Félix Morgan- y Yo me llamo cumbia, de Toto La Momposina.

El clarinete y el trombón solistas se acercaron al proscenio luciendo los sombreros

típicos del país y ejecutaron sus variaciones de manera impecable. Fue el punto más alto

de la noche y tanto el director como los músicos se retiraron sumamente aplaudidos.

La última vez que Scharovsky visitó la Argentina al frente de la Sinfónica de

Jerusalén, también estuvo muy satisfecho y pleno de felicidad. No sólo ha vuelto a estar

feliz, sino que esta vez, con todo el chévere de la tierra colombiana.

 

El Ensamble ArtHaus y su Director, Pablo Druker, durante el Concierto del pasado Miércoles 07 de Agosto en el Teatro Colón. Créditos: Prensa Teatro Colón, fotografía del Mtro. Arnaldo Colombaroli.

SOBRESALIO EL ENSAMBLE ARTHAUS

 

Teatro Colón, temporada 2024. Ciclo “Colón Contemporáneo”. Presentación del ArtHaus Ensamble, Director: Pablo Druker. Programa: Obras de Nancarrow, Ligeti, Rubino y Chin. 07 de Agosto de 2024.

 

NUESTRA OPINION: EXCELENTE

 

  A fines del 2022 vio la luz el Ensamble ArtHaus, pieza fundamental en la estructura de ArtHaus Central, un espacio dedicado al arte contemporáneo en todas sus formas. Este conjunto se enfoca en la difusión de la música experimental desde el Siglo XX hasta nuestros días, con temporada de conciertos, concursos de composición y encargos hacia los creadores argentinos. Conformado por extraordinarios músicos capitaneados por Pablo Druker como Director y Xavier Inchausti desde el primer violín, el conjunto hizo su primera presentación en la sala del Teatro Colón demostrando en todo momento solvencia y categoría. Haciendo honor a sus premisas, reveló a la audiencia un estreno comisionado por el propio conjunto junto al Teatro Colón y una editora musical, además de tres obras de probados creadores a nivel mundial.

 

  El concierto comenzó con la interpretación de la transcripción que Yvar Mikhashoff realizara en 1995 del “Estudio Nº 7” de Conlon Nancarrow, compositor Norteamericano quien se autoexilió en México debido a sus simpatías por las ideas Comunistas en tiempos en que dichas ideas estuvieran poco menos que perseguidas en la nación del norte. Conocedor del piano mecánico, apasionado por el Jazz, en esta composición parte de tres isorritmos que van desarrollándose de manera ágil conformando momentos de extraordinaria vibración, pasajes de tonalidad e instantes en los que expresa su sentido del humor. Aquí ya el conjunto, llevado de modo impecable por Druker, comenzó a demostrar su valía.

 

  Pilar fundamental de la composición de la segunda mitad de siglo XX, György Ligeti ha sido un muy prolífico creador sonoro. Es sumamente extenso su catálogo de composiciones y ha sido muy bienvenido el hecho de que el ArtHaus incluyera su magnífico “Concierto de Cámara”. A lo largo de sus cuatro movimientos, se percibe un estupendo manejo de las sonoridades tanto como de los muy significativos silencios, un claro manejo de la energía y su total maestría en la orquestación. Pablo Druker ofreció una inobjetable versión, en la que nunca decreció el interés del auditorio, exhibiendo un magnífico manejo de los tiempos y sobre todo, de los silencios con un conjunto que respondió con creces a sus indicaciones. Brillante final para la muy buena primera parte.

 

  En el comienzo de la segunda mitad, el ArtHaus ofreció el estreno mundial de “De Retornos y Farsas” de Pablo Rubino, la obra comisionada en conjunto con el Teatro Colón y BabelScores Online, una obra que exige al máximo a los instrumentistas con un despliegue sonoro sumamente convincente. Rubino convenció e impactó al auditorio con este trabajo, compuesto de manera muy inteligente, siendo con total justicia ovacionado.

 

  Como cierre del programa se ofreció “Gougalón –Escenas de un Teatro Callejero” de  una de las grandes creadoras actuales, la Coreana Unsuk Chin. Es una obra magnífica. Requiere en su instrumentación de un piano preparado el que se interpreta a cuatro manos, nutrida percusión, que incluye recipientes del estilo de baldes utilizados como tambores, lo que hace que por momentos los instrumentistas de las otras familias que no intervienen en esos pasajes ayuden a sus compañeros de percusión interpretando instrumentos de dicha familia. Hay citas del folcklore coreano, un muy buen manejo de la tensión y un final de rotunda contundencia. Druker efectuó una versión extraordinaria y los músicos nuevamente intervinieron de modo sobresaliente. Párrafo aparte para las descollantes labores de Bruno Lo Bianco y Oscar Albrieu en la percusión. Fueron una verdadera “Columna Vertebral” a lo largo de la obra.

 

  Ha sido una de las mejores veladas de concierto que el Colón programó para el corriente año. Conociendo a Martín Bauer como cabeza de “Colón Contemporáneo” no dudo en que invitará al estupendo Ensamble ArtHaus para las temporadas venideras.

 

Donato Decina

 

Otro momento impactante de "Edén" con la magnífica actuación de Joyce Didonato, Créditos:Prensa Mozarteum Argentino, fotografía de la Sra. Liliana Morsia.

Excepcional actuación de Joyce Di Donato junto a “IL POMO D’ORO” en el Colón

UNA DIVA EN EL PARAÍSO

Martha CORA ELISEHT

El título de esta nota no pretende parafrasear una famosa película de Brian De

Palma ni mucho menos, uno de los múltiples trabajos discográficos de Joyce Di Donato.

La mezzosoprano estadounidense es una diva con mayúsculas y lo ha demostrado

sobradamente en las innumerables visitas realizadas a la Argentina sobre el escenario

del Colón -siempre invitada por el Mozarteum Argentino-. Precisamente, esta

prestigiosa institución permitió poder apreciarla nuevamente junto al Ensamble barroco

IL POMO D’ORO sobre el escenario del Teatro Colón el pasado lunes 5 del corriente

para presentar su nuevo espectáculo: un unipersonal lírico- coreográfico denominado

EDEN, cuyo objetivo es amalgamar la música con la naturaleza y que el público

asistente pueda apreciar esta última como fuente de inspiración para numerosas obras

de arte, además de tomar conciencia sobre el cuidado del medio ambiente. Para ello,

contó con la participación de la mencionada agrupación -bajo la dirección de Edson

Scheid- y el Coro de Niños del Teatro Colón, dirigido por Helena Cánepa y coordinado

por Silvia Larrañaga.

Este espectáculo surgió como un encargo de la University Musical Society de la

Universidad de Michigan y de las siguientes instituciones: Harriman- Jewell Series,

Kansas City; Abu Dhabi Music & Arts Foundation; Cai Performances de la Universidad

de Berkeley (California) y UC Santa Barbara Arts & Lectures. La presente

representación en el Colón ha sido la 44° edición de este unipersonal, que se representó

sin intervalo y que cuenta con fragmentos de las siguientes obras:

- La pregunta sin respuesta- Charles IVES (1874-1954)

- “The first morning of the world”- Rachel PORTMAN (1960)

- “Ich athmet einen linden Duft” de RÚCKERT- LIEDER- Gustav MAHLER

(1860-1911)

- Sinfonía terza, Op.7 (a 5 instrumentos)- Marco UCCELINI (1603-1680)

- Scherzi e canzone, Op.5: III “Con le stelle in Ciel che mai”- Biagio MARINI

(1594-1663)

- Aria del ángel de la Justicia, del oratorio “ADAMO ED EVA”- Josef

MYSLIVIČEK (1737-1781)

- Sonata enhrmonica en Sol menor- Giovanni VALENTINI (1582-1649)

- “Piante ombrose”, Acto I, escena 14 de “LA CALISTO”- Francesco CAVALLI

(1602-1676)

- Danza de los espectros y las furias (Acto II de “ORFEO Y EURÍDICE”)-

Christoph Willibald GLUCK (1714-1787)

- “Misera, dove son!... ¡Ah! No son ío che parlo!” (recitativo y aria de Fulvia-

Acto III de “EZIO”)- Christoph W. GLUCK (1714-1787)

- “As with Rosy steps the morn” (Aria de Irene de “THEODORA”)- Georg

Friedrich HÄNDEL (1685-1759)

- “Ich bin der Welt abhanden gekommen” de RÜCKERT- LIEDER- Gustav

MAHLER (1860-1911)

Esta exquisita selección y concatenación de fragmentos -rigurosamente

seleccionados para este espectáculo- fue magníficamente ejecutada por los integrantes

de IL POMO D’ORO -del cual, Di Donato es su productora ejecutiva, además de su

principal figura- e interpretada de manera sutil por la mezzosoprano, quien apareció en

penumbras fuera de escena -sólo iluminada por una débil luz mientras hacía gala de su

musicalidad vocalizando La pregunta sin respuesta de Ives para luego -a medida que

subía al escenario y aumentaba la intensidad lumínica- continuar con la canción de

Rachel Portman, compositora británica conocida mundialmente por sus aportes a la

música de películas y que fue compuesta especialmente para este show. Enfundada en

un vestido color celeste perlado, se posó sobre un círculo ubicado en el centro de la

escena, que cumplía múltiples funciones y al cual se le podían otorgar diferentes

interpretaciones. En las arias barrocas, podía servir como una prisión (“LA CALISTO” y

“THEODORA”), como un refugio para Adán y Eva en “La furia del ´ángel de la

Justicia” o en los Rückert- Lieder de Mahler; principalmente, en la canción de cierre

(“Me he perdido para el mundo”), donde encontró la plenitud absoluta a la hora de la

muerte. Como tenía un círculo que podía levantarse acorde al aria ejecutada, bien podía

parecer -a juicio personal de quien escribe- una perla hallada dentro de una ostra.

Desde el punto de vista estrictamente musical, Di Donato conserva su excelsa

musicalidad y su espléndido registro central, que le sirvió para componer a los

diferentes personajes de las arias seleccionadas. Sus dotes histriónicas y su simpatía

siguen intactas y estuvo perfectamente acompañada por el conjunto barroco bajo la

magistral dirección del concertino Edson Scheid. Cuenta con instrumentos de época e

intérpretes de primer nivel -entre los cuales, se encuentra el cellista argentino Hermann

Schreiner- y el Colón deliró al cierre del espectáculo. Fue una de las mejores versiones

de los Rückert Lieder de Mahler que una escuchó sobre el escenario del mayor coliseo

por una intérprete femenina y, además, le brindó un espaldarazo muy grande al Coro de

Niños del Colón al invitarlos a participar de esta función. En un correcto castellano –

con algunos tintes de italiano y spanglish- se dirigió a la audiencia munida de un

micrófono para explicar el significado de EDEN y que en cada representación la

acompañaba un coro, ya que este proyecto tiene un himno (Semillas de esperanza),

compuesto por el Coro de Niños de Canterbury de la Bishop Ramsey CE School junto a

Mike Roberts. En este caso, se empleó una traducción de Pablo Valderrábano para que

la diva se luciera junto al coro infantil. En agradecimiento y -a modo de bis-, los

integrantes del Coro de Niños del Colón decidieron regalarle una muy linda versión de

la Canción del Jardinero, de María Elena Walsh con arreglo de César Bustamante -

especialmente compuesto para esta ocasión-. Se mostró sumamente emocionada y

complacida por el cariño de los chicos y del público local, de modo que decidió cerrar el

recital con un clásico: Ombra mai fu, de “XERXES” de Händel. Otro aluvión de

aplausos para la diva y la agrupación instrumental tras tan sublime interpretación.

Eximia intérprete de roles del bel canto y del repertorio barroco, Joyce Di Donato

sigue deslumbrando al público de todo el mundo con su magnífica voz y su popularidad,

apostando a un proyecto destinado a la preservación de los recursos naturales. Tal como

lo menciona una célebre canción de Helmut Lotti (Mother Nature), “la Naturaleza es

una ostra, y el ser humano, su perla” (Earth is an oyster and we are its Pearl). En este

caso, una perla sumamente valiosa y una diva en el paraíso.

 

El imponente marco limínico-escénico en el que Joyce Didonato desplegó todos sus recursos para "Edén". Créditos:Prensa Mozarteum Argentino. Fotografía de la Sra. Liliana Morsia

Joyce Didonato – Il Pomo d’oro

Lunes 5 de agosto 2024 – Teatro Colon

Tercera función de la temporada del Mozarteum Argentino

El Mozarteum Argentino presentó en la sala del Teatro Colon el

espectáculo “Eden”, con la actuación de la mezzosoprano Joyce Didonato

y el ensamble “Il pomo d’oro”. Por sí solo, esta combinación es garantía de

extrema calidad.

Explica Joyce Didonato, que “Eden” es un llamado a adoptar acciones

duraderas frente al cambio climático mediante la creación de un jardín

tanto físico como cultural, global y multi-modal, e intenta iniciar este

cambio re imaginando la experiencia del concierto, creando un oasis

viviente donde el canto y la semilla se vuelven uno proyectándose desde

la sala a las acciones de la audiencia y más allá.

Este tema lo aborda hilvanando melodías del repertorio barroco, clásico y

moderno con autores como Ives, Portman, Mahler. Uccellini, Marini,

Myslievcek, Valentini, Cavalli, Gluck y Haendel en perfecta coherencia.

Eden no es un concierto; es un espectáculo temático con iluminación y

movimiento escénico inteligentemente preparado y servido en pos del

desarrollo de un problema actual y preocupante para toda la humanidad;

el cambio climático.

Joyce Didonato, hace las veces de narradora de esta idea con su

maravillosa musicalidad, su talento expresivo y el carisma propio de los

grandes intérpretes acompañada por un Ensamble estupendo formado

por reconocidos especialistas.

Pero eso no es todo. Didonato comenta también que “el corazón y el alma

de Eden reside en su Compromiso Educativo, acompañándose cada

concierto con la construcción de una plataforma digital que provee un

sólido programa de formación interdisciplinario de educación en música y

naturaleza para coros infantiles y grupos escolares de todo el mundo”.

Con tal motivo, fue la presentación del Coro de niños del Teatro Colon

interpretando junto a Joyce DiDonato e Il Pomo d'Oro: "Semillas de

esperanza". Himno del proyecto EDEN. Compuesto por el Coro de Niños

de Canterbury de la Bishop Ramsey CE School de Inglaterra junto a Mike

Roberts. Traducción de Pablo Valderrábano. 

"Canción del Jardinero" de María Elena Walsh en arreglo de César

Bustamante preparado especialmente para este concierto.

Finalmente, Joyce DiDonato, e Il Pomo d'Oro ejecutaron de G.F. Händel,

"Ombra mai fu". Aria de la ópera Xerxes. 

En síntesis un muy buen espectáculo que no solo nos propone tomar

conciencia de un problema que afecta a la humanidad, sino también una

nueva forma de presentar recitales y conciertos y disfrutar a su vez de una

de las cantantes más importantes de nuestro tiempo junto a un grupo

orquestal de excelencia.

Roberto Falcone

 

Momentos culminantes de "Eden" espectaculo creado y protagonizado por Joyce Didonato junto al grupo musical "Il Pomo d'Oro" anoche en el Teatro Colón para el Mozarteum Argentino. Fotografía de la Sra. Liliana Morsia.

Tercera función de abono de Mozarteum

Brillante actuación de Joyce DiDonato e Il Pomo d’Oro

Teatro Colón

Lunes 5 de agosto de 2024 

Escribe: Graciela Morgenstern

“Edén”

Intérpretes: Joyce DiDonato, mezzosoprano

“Il Pomo d’Oro Director: Edson Scheid

Programa: Obras de Charles Ives, Rachel Portman, Marco Uccellini,  Marini, Josef

Myvečeslik, Giovanni Valentini, Francesco Cavalli, Georg Friedrich Händel, Christoph

Willibald Gluck y Gustav Mahler.

Iluminación: John Torres

Dirección escénica: Marie Lambert-Le-Bihan.

En su tercer concierto de esta temporada, Mozarteum presentó a Joyce Didonato

junto a Il Pomo d'Oro, en un espectáculo llamado Edén, que los intérpretes

vienen presentando en numerosas ciudades del mundo.

El programa de mano contiene una explicación de este proyecto que dice: Serán

los narradores quienes nos rescaten ... y comprometan a la humanidad a adoptar

acciones duraderas frente al cambio climático. Estos narradores visionarios son

quienes conectan a la humanidad más allá de las fronteras y las divisiones,

guiándonos hacia un próspero y esperanzador futuro, unidos. ...Joyce Didonato es

la narradora de Edén, motivando un llamado urgente a la acción mediante la

creación de un jardín tanto físico, como global y multimodal.

Este cometido, del cual Didonato es la Productora Ejecutiva, está asociado con

Botanical Garden Conservation International a través de su programa Desafío

Global para la Conservación de Semillas. De hecho, junto con el programa de

mano, se entregaba una suerte de disco con semillas incorporadas, para plantar

en cada uno de los hogares de los asistentes al concierto.

Al comienzo del espectáculo, Con la sala a oscuras, Didonato se fue ubicando en

diferentes puntos de la platea, vocalizando “The Unanswered Question,” de

Charles Ives, originalmente compuesto para un solo de trompeta. Luego, una luz

sobre el escenario, simbolizó el comienzo de la aurora y a partir de ese momento,

se pudo ver a la cantante en medio de parte de un círculo que se completó al final

de la función. Acompañó la misma, la iluminación inteligentemente ideada por

John Torres, que lució perfectamente sincronizada.

Las obras ejecutadas constituyeron un programa ecléctico y de estéticas

diferentes, que incluyó desde la obra estilo new age de la compositora Rachel

Portman, pasando por Mahler, Marini, Myvečeslik, Cavalli, Gluck y Händel, entre

otros, algunos de ellos poco frecuentados. A pesar de la gran diversidad en las

piezas ejecutadas, siempre hubo un hilo conductor para transmitir el mensaje

propuesto en Edén

La actuación de la famosa mezzosoprano fue muy celebrada por el público y no

era para menos, teniendo en cuenta sus cualidades artísticas Dotada de una voz

de bellísimo color que corre por la sala sin dificultad y poseedora de una técnica

muy sólida, sumó su carisma y talento, a un perfecto manejo del fiato y una rica

gama de colores y matices vocales, al mismo tiempo que notables cualidades

dramáticas. Y realizó un regreso triunfal.

Didonato estuvo acompañada por Il Pomo d’Oro, indudablemente uno de los

mejores conjuntos barrocos de la actualidad. Dirigido por su concertino, Edson

Scheid , los músicos estuvieron dispuestos a ambos lados del proscenio. El

conjunto incursionó en las obras programadas, de diverso carácter, con un

brillante resultado.

Terminadas las partituras que conformaban Edén y luego de explicar la

importancia de la educación en las nuevas generaciones, Didonato invitó al Coro

de Niños del Teatro Colón, a quienes se unió para interpretar Semillas de

esperanza, himno del Proyecto Edén, compuesto por el Coro de Niños de la

Bishop Ramsey CE School de Inglaterra. Tras cálidos aplausos de la

concurrencia, los pequeños coreutas cantaron La Canción del Jardinero de

María Elena Walsh, con arreglos de César Bustamente.

Finalmente, Didonato concluyó la velada con el aria Ombra mai fu, de la

ópera Xerxes de Haendel. Y con la frase “La música es un mensaje del corazón

para alegrarnos y curar la tristeza. Sólo hay que saber escucharla”, dio por

terminada la velada, en medio de una gran ovación que el público le brindaba..

CALIFICACION: EXCELENTE

Puntales fundamentales de esta producción: Guadalupe Barrientos y Leonardo López Linares. Fotografía: Leonardo Pecar para Clásica del Sur-

 Clásica del Sur celebra su décimo aniversario

NABUCCO en el Avenida 

Teatro Avenida

Jueves 1º de agosto de 2024 

Escribe: Graciela Morgenstern

 

Nabucco. de Giuseppe Verdi

Libreto: Temistocle Solera 

Elenco: Leonardo López Linares, María Castillo de Lima, Bruno Sciani, Guadalupe Barrientos,

Nicolás Sánchez, Miguel Angel Gualano, Lorena Sayegh, Miguel Alberto Balea.

Coro Estable de Clásica del Sur - Director: César Tello

Chorale Lyrique de Buenos Aires - Directora: Silvia Aloy

Dirección de escena: Gabriel Villalba

Preparación y dirección musical: César Tello

Giuseppe Verdi, el alma de la ópera italiana, fue un convencido nacionalista italiano. En plena

lucha por librarse de la opresión de los austriacos, y con corrientes de pensamiento que rompían

con lo establecido, nació Nabucco. Fue ésta, su tercera ópera, estrenada en el Teatro Alla Scala di

Milano, el 9 de marzo de 1842, la que le dio fama entre sus compatriotas. Su primera ópera no

había interesado demasiado y la segunda fue un fracaso, por lo que el compositor había decidido

no volver a componer. Cuando le presentaron el libreto de Nabucco, aceptó crear la música y la

completó en apenas tres meses.  

 Con el Teatro Avenida desbordante de público, Clásica del Sur celebró su décimo aniversario con

una muy buena versión de esta obra.

Verdi otorgó al coro el mismo protagonismo que a los solistas. El Coro Estable de Clásica del Sur y

Chorale Lyrique de Buenos Aires exhibieron buen rendimiento vocal.

En el rol protagónico, el barítono Leonardo López Linares llevó a cabo una muy buena

interpretación, con un registro parejo en toda su extensión. Como ya es bien sabido, su fraseo  se

conforma perfectamente al estilo verdiano, destacándose tanto en los pasajes líricos, dolientes,

como en los más dramáticos y vigorosos. Su Dio di Giuda fue conmovedor. Una vez más, mostró

entrega total a su personaje y dio muestra de su experiencia en esta obra y de su calidad artística.

María Castillo de Lima fue Abigaille, un personaje muy demandante al que la partitura lleva del

agudo a las notas más graves, por lo que requiere un registro amplio, peso vocal y caudal sonoro.

La soprano posee un centro sólido y graves estentóreos. Debería lograr agudos más cubiertos,

para que no suenen tan punzantes, estridentes, lo que quita belleza a su canto. Comenzó con una

cierta inseguridad que fue en detrimento de su actuación, un tanto rígida. Pero a medida que la

función avanzaba fue sorteando las muchas dificultades que su parte exige, logrando los mejores

momentos en los piano y en la escena final, que resultó convincente.

Siempre es un placer presenciar las excelentes actuaciones de Guadalupe Barrientos.

Totalmente consustanciada con la ópera, brindó excelente calidad interpretativa y

homogeneidad en su registro, aportando bello color vocal, importante caudal sonoro e

intenso dramatismo al rol de Fenena.

Bruno Sciani como Zaccaria, cumplió de manera discreta, con graves destimbrados y afinación

errática.

En tanto, el tenor Nicolás Sánchez sonó seguro como Ismaele y brindó buena calidad

interpretativa.

El resto del elenco se completó con Miguel Angel Gualano, Lorena Sayegh y Miguel Alberto Balea.

La dirección musical del Maestro César Tello, aunque con pocas sutilezas, resultó bien

ensamblada, precisa y dinámica, poniendo ritmo y nervio a su batuta.

La dirección escénica de  Gabriel Villalba, fue sencilla pero muy

adecuada. Ubicó la obra en tiempo y espacio y fue fiel al argumento. Con pocos elementos

escenográficos diseño de Zacarías Gianni, planteados  con inteligencia, transmitió perfectamente lo que el libreto establece. Un rara avis en estos días en que lo ridículo prevalece. Tanto el vestuario como la iluminación fueron los adecuados.

Como era de esperar, hubo fuertes aplausos para celebrar no sólo esta década de vida, sino

también el esfuerzo que implicó la realización de este Nabucco.

CALIFICACION: MUY BUENA

 LA CONSTANTE CATEGORIA DE GUADALUPE BARRIENTOS

 

Teatro Colón, temporada 2024. Onceavo concierto de Abono a cargo de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, Director: Kakhi Solomnishvili. Solista: Guadalupe Barrientos (Mezzosoprano). Programa: Obras de Wagner y Tchaickovsky. 03 de Agosto de 2024.

 

NUESTRA OPINION: BUENO

 

  Si hay una voz femenina que cuando es anunciada su presencia, ya sea en algún reparto o como solista, es una garantía de calidad y categoría, esa es Guadalupe Barrientos quien en este concierto de la Filarmónica Porteña acaparó la atención del público con su interpretación  de los “Wesendonck Lieder” de Richard Wagner sobre poemas de Matilde Wesendonck, quién fuera mucho más que su musa inspiradora. Sin ella,  “Tristán e Isolda” probablemente no hubiera visto jamás la luz. Esta serie de cinco poemas musicalizados, fueron originalmente compuestos para Voz y Piano. Los cuatro primeros fueron orquestados por el gran Director de Orquesta Félix Mottl y el último por el propio Wagner y es justamente la música de éste último junto con la del tercero las que aparecerán en el segundo y el tercero de los actos del gran drama romántico wagneriano. La gran Mezzosoprano acometió cada uno de los textos con timbre acerado, registro robusto, plena seguridad y estupendo decir, enfatizando acertadamente los pasajes en relación con el texto. El Maestro Solomnishvili acompañó de manera acertada, sobresaliendo en el tercer lied (“En el invernadero”) la hilera de violonchelos guiada por su titular, José Antonio Araujo.

 

  En ambas puntas, hubieron dos lecturas  apenas correctas de celebérrimas páginas. En el preludio al primer acto de “Lohengrin” del propio Wagner, uno espera expresividad y canto orquestal. Aquí no los hubo, incluso en el comienzo se percibieron con nitidez algunos desacoples, por lo que sabiendo el potencial que la Orquesta tiene, nos quedamos con ganas de más. Y para el final, una discreta versión de la Sinfonía Nº 6, op.74 “Patética”· de Tchaickovsky en donde se escuchó un primer movimiento algo desordenado que se fue corrigiendo con el correr de la interpretación. En los dos movimientos centrales se escuchó lo mejor de la Orquesta a lo largo de la noche tanto en el “Allegro con Grazia” como en el “Allegro” posterior, la célebre, exultante y enérgica melodía, en donde todos los sectores de la orquesta sín distinción de unos por sobre otros tuvieron el debido lucimiento. En el cierre, un desabrido “Adagio Lamentoso”, sostenido constantemente en el “tempi” pero carente de toda profundidad interpretativa cerró la versión. Puede decirse que al igual que en “Carmen” la labor del Director no terminó de convencer.

 

  Párrafo aparte para la conducta del público. Sabemos que últimamente un público neófito concurre a la sala, muchos de ellos extranjeros atraídos por el Colón y su fama. Debe pensarse de inmediato en grabar un mensaje para recordar cómo debe ser la escucha de las obras. Ya no solo se aplaude entre movimientos o canciones sino que en uno de los “Wesendonck” se comenzó a aplaudir durante un silencio sin percatarse que la composición seguía. ¿Por qué no pensar que además de disfrutar de la acústica, pueden irse aprendiendo algo nuevo?

 

Donato 

 Magnífica actuación de Gustavo Gibert junto a la Orquesta de Cámara del Congreso

CON TODO EL ACENTO Y EL ENCANTO DE LA BELLA ITALIA

Martha CORA ELISEHT

Dentro del ciclo de conciertos de la Orquesta de Cámara del Congreso de la

Nación, el pasado lunes 29 del corriente se rindió homenaje a la música italiana y a la

ópera en un concierto temático denominado LÍRICA MENTE, que tuvo lugar en el Salón

de los Pasos Perdidos del Parlamento Nacional y que contó con la participación del

barítono Gustavo Gibert como figura invitada. De la mano de Sebastiano De Filippi, la

mencionada agrupación brindó el siguiente programa:

- Allegro en Do mayor- Gaetano DONIZETTI (1797-1848)

- Canción de cuna- Licinio REFICE (1883-1954) (orquestación de Giovanni

Panella)

- Obertura de la ópera “LO FRATE ‘NNAMURATO” – Giovanni Battista

PERGOLESI (1710-1736)

- Arias de Uberto, de la ópera “LA SERVA PADRONA”- Giovanni Battista

PERGOLESI (1710-1736):

- “Aspettare e non venire”

- “Sempre in contrasti”

- “Son imbrogliato”

- “Crisantemos”- Giacomo PUCCINI (1858-1924)

- Sonata n°3 en Do mayor- Gioacchino ROSSINI (1792-1868)

Ante una nutrida concurrencia de público y, tras los anuncios correspondientes, el

concertino Pablo Pereira se presentó para realizar la tradicional afinación de

instrumentos previamente al inicio del concierto. Seguidamente, Sebastiano De Filippi

hizo su presentación en el podio para ofrecer una versión de fuste del Allegro en Do

mayor de Donizetti. Es una de las especialidades de la orquesta -quien escribe lo ha

escuchado en más de una ocasión- y también, una de las pocas composiciones de

cámara del músico bergamasco. Posee numerosas reminiscencias mozartianas y pasajes

de difícil ejecución técnica, que fueron interpretados de manera sumamente precisa. El

público respondió con un ferviente aplauso para posteriormente continuar con la

Canción de cuna de Refice. Compuesta originalmente para piano, es una bellísima obra

de estilo netamente impresionista, que -por momentos- remeda a la Pavana para una

infanta difunta de Maurice Ravel y que también posee reminiscencias de Erik Satie. En

la presente versión, se usó una transcripción para cuerdas de Giovanni Panella que sonó

magistralmente, con muy buenos contrapuntos a cargo de violoncellos y contrabajos. Es

una de las obras menos conocidas de este prolífico compositor italiano, quien también

era sacerdote y uno de los grandes reformadores de la música sacra del movimiento

suscitado por el Papa Pío X, junto con Lorenzo Perosi y Raffaele Casimiri.

Uno de los grandes precursores de la ópera buffa italiana fue Giovanni Battista

Pergolesi, cuyas obras alcanzaron gran popularidad entre 1731 y 1735. La mayoría de

ellas se estrenaron en Nápoles -excepto L’Olimpiade, que tuvo lugar en Roma-, entre las

cuales, LO FRATE ‘NNAMURATO (El hermano enamorado, en lengua napolitana) fue

compuesta en 1732 y es una típica comedia de enredos. Su obertura posee tres temas:

Allegro/ Andante/ Allegro, donde los solistas de cada grupo de instrumentos se lucen

mediante la interpretación de un solo en contrapunto con los demás instrumentos en el

Andante central, con intervenciones magistrales a cargo de la violista Mercedes

Sánchez, la cellista Mariana Levitin, el contrabajista Adrián Speziale y del concertino

Pablo Pereira. El Allegro inicial presenta el tema, mientras que el final recapitula el

tema inicial mediante una serie de variaciones. Una versión magnífica desde lo musical,

con un sonido prístino y una absoluta precisión tanto en los contrapuntos como en el

canon instrumental.

Concebida originalmente como un intermezzo de la ópera IL PRIGIONER

SUPERBO (El orgullo prisionero), LA SERVA PADRONA es la más conocida de todas

las óperas de Pergolesi y se estrenó en Nápoles en 1733. Debido a un terremoto que

destruyó la ciudad en ese mismo año, se cerraron los teatros y la obra original no se

representó más, pero el intermezzo gozó de gran popularidad en toda Europa mucho

tiempo después de su estreno y se transformó en ópera por mérito propio. El personaje

de Uberto -un viejo solterón que se muestra impaciente con su sirvienta Serpina- fue

encarado magistralmente por Gustavo Gibert merced a su histrionismo, maestría e

impecable línea de canto y legato. (De hecho, apareció fuera de escena, sorprendiendo

al público). A medida que iba avanzando en su interpretación de las tres arias de este

gran clásico buffo (“Aspettare e non venire”; “Sempre in contrasti” y “Son

imbrogliato”), el público deliraba en risas y aplausos, mientras un locutor explicaba las

características del personaje entre cada aria para que la gente pudiera entender el

argumento de la ópera. La orqueta supo acompañarlo perfectamente en cada

interpretación. No hay que olvidar que -además de ser director de orquesta- De Filippi

es cantante lírico en la cuerda de bajo. Por lo tanto, es un especialista en este género y

brindó una versión excelente de este gran clásico. El auditorio estalló en aplausos y

vítores tras su interpretación y, como de costumbre, los representantes de la Comisión

de Cultura del Senado y de la Cámara de Diputados de la Nación- Dr. Daniel Abate y

Sra. Andrea Barbieri, respectivamente- hicieron entrega del correspondiente diploma al

barítono, quien se mostró sumamente complacido.

La segunda parte del concierto abrió con Crisantemi (Crisantemos), elegía

compuesta por Puccini en 1890 tras la muerte de Amadeo di Savoia – duque de Aosta y

amigo personal del compositor- para cuarteto de arcos. Posteriormente, se realizó una

versión para orquesta de cuerdas, que es la que se presentó en este concierto. Es un

lamento melancólico e íntimo, que debe sonar como tal y donde las cuerdas tienen que

llorar. Este efecto sonoro fue magníficamente logrado por la orquesta, logrando una

versión de excelencia de esta célebre pieza.

Por último, De Filippi ofreció una versión sublime, brillante y precisa de la Sonata

n°3 en Do mayor de Rossini, compuesta en 1804 y cuyos 3 movimientos (Allegro/

Andante/ Moderato) fueron ejecutados con maestría y grandes actuaciones de los

principales solistas de cada grupo de instrumentos. Principalmente, en el Moderato

final, donde se destacaron el solista de segundos violines Catriel Galván, la cellista

Mariana Levitin y el contrabajista Adrián Speziale en las variaciones. Otro logro más

para la orquesta, que se perfila como una de las mejores de la Argentina y que cada día

suena mejor en todas y cada una de sus presentaciones en los escenarios más

importantes del país. Y, cuando se cuenta con intérpretes invitados de alta jerarquía, se

potencia aún más y se logra un nivel óptimo.